El cubismo es la base de movimientos posteriores.
Retomamos el cubismo sinténtico. Pero antes haremos un retroceso para perfilar dos elementos del cubismo analítico.
[Libro fundamental Canveiguer "el camino hacia el cubismo" 1920 Fue galerista del cubismo y hace la primera reflexión sobrel comportamiento y el desarrollo del mismo. Se plantea a qué obedece su planteamiento teórico. ] Hay caracterísicas comunes entre el sintético y el analítico. Pero no todas.
En el cubismo analítico hay características constantes:
Reducción de la paleta. Esta contradicción tiene que ver con el deseo de evitar que el color (que tiene componentes sensibles) actúe sobre el espectador. Planteamiento científico.
Eliminiación del volúmen. Apertura de los contornos de los cuerpos. Los cuerpos se abren al espacio, desaparecen los límites y las lineas que actúan de esta forma. Al abrirse y aparecer solo las líneas limítrofes se produce una interrelación entre los cuerpos y el espacio. En la medida en la que se abren los cuerpos, se abren a los elementos limítrofes.
Continuidad cromática y lumínica entre los cuerpos y el espacio circundante. Se rompe la dicotomía entre espacio interior y exterior.
Aplanación del espacio visual. A los cubistas no les interesa recalcar la profundidad.
Vocabulario visual, manera de hacer, con el fin de conseguir ese proceso de eliminación interior - exterior, que tiende siempre a lo geométrico. Vocabulario que tiende a lo geométrico. De ahí el nombre de cubismo. En todo el cubismo sintético nos encontramos con que hay planos de muy excasa profundidad. Es una seña del cubismo analítico. Están dispuestos de una forma paralela a la base del cuadro, y los que no en sentido vertical. Suelen predominar los planos marcados por la línea recta, dando un sentido vertical y paralelo a la base del cuadro. Unos planos tienen acentuado su borde con mayor oscuridad y otros más claros. El volúmen en pintura se consigue históricamente con el sombreado. Estos planos marcan ese volúmen reducido y escaso y funcionan marcando zonas de luz y de sombra, que no provienen de ningún foco de luz reconocible. Los "parches" de luz y de sombra están por todo el cubismo analítico y son aleatorios, bailan por todo el cuadro. Oscurecen unas zonas y aclaran otras, pero no desde una fuente de luz. En unas obras las características serán más claras. Cuadros organizados sobre una especie de cuadrícula/red intermitente. En algunos puntos se pueden llegar a identificar esas líneas con los límites, los bordes de los objetos que describen. Ni tan siquiera el cubismo más estricto, el del año 11, tiene voluntad de no referirse al objeto, nunca es abstracción.
En el cubismo existen "toques de gracia", esos pequeños detalles a veces naturalistas que parecen querer referirse a aspectos de la realidad, clavos fingidos, párpados, etc. Guiños para el espectador.
El resultado de este lenguaje cubista es que ofrece muy escasa información sobre el objeto o sobre el escenario, sobretodo en el tardío. Hasta no dar ninguna información.
Para unos la razón de que el cubismo analítico diese tan poca info tenía que ver con el planteamiento de que de esta manera daba una info mucho más completa de forma conceptual sobre el objeto que el que proporciona la visión natural que siempre es parcial y fragmentaria. De esta manera el cubismo se acercaba a la ciencia moderna. También tendría que ver co la valoración de la cuarta dimensión.
Sin embargo otros autores piensan (y Paloma piensa que es interesante) de forma muy diferente. Dicen que de esta manera de hacer/lenguaje, proporciona al cubismo mayor facilidad para lograr la unidad del objeto pictórico (cuadro y lo que representa). Canveiguer la define como el resultado de la fusión de dos contrarios en apariencia irreconciliables: Por un lado los volúmenes representados de los objetos reales y por otro el carácter plano del objeto físico, que sería el cuadro en sí mismo, que es plano. El objetivo era conseguir la unidad del objeto pictórico, con sus dos realidades, lo que representa y la superficie del cuadro. Y ahí existe una contradicción ya que el mundo real es 3D y el mundo pictórico es 2D. Hasta ahora se había forzado la bidimensionalidad del cuadro, se le ha obligado a comportarse como un 3D, a incorporar trucos para dar esa idea, pero ahora cuando el cubismo trata de afirmar la independencia de la pintura, que crea el objeto que es el cuadro que es parte del mundo real, pero que no comparte ese aspecto de la realidad, si queremos defender esta independencia tenemos que hacer al cuadro autónomo y por ello resalta su bidimensionalidad. Este camino ya lo abrió Cézanne. Conciben que el cuadro es autónomo con respecto a la realidad, tiene sus propias leyes. Abriendo los límites del objeto, continuidad entre espacio interior y exterior y el no reconocimiento de los volúmenes provienen de los intentos del cubismo de fusionar la tridimensionalidad con la bidimensionalidad. El cuadro responde a una lógica interna y es independiente de la realidad.
Las dos explicaciones son válidas, incluso una combinación de las dos.
El cubismo también elimina el espacio que existía entre los objetos, zonas entre un objeto y otro. Aparece todo con el mismo tipo de cromatismo y hay una continuidad, pero resultado de haber abierto los objetos y que el espacio ha pasado a través de ellos. El objeto es medio transparente, deja entrever el espacio que le circunda.
Toda pintura que pasa de los supuestos del cubismo, de un análisis de las formas y de un desinterés por los efectos de luz, cambiantes o representación de la naturaleza va a tender a los temas que se desarrollan en el interior: el bodegón o el retrato de figura de interior. No están sometido a condiciones ambientales, no le interesan. Ni los espaciales. Se controla por completo el foco de luz y como moverse alrededor de los objetos.
Picasso, Muchacha con mandolina 1910
Braque, Fábria de L'estaque 1910
Momentos en los que la pincelada aparece más visible y reconocible en sus ritmos (que son muy contínuos) donde a veces son más visibles y a veces más alargadas.
Braque, El portugués 1911
Emplean un recurso que es que los límites de esos planos son negros, color contínuo, sombrean en negro y más oscuro, al mismo tiempo que la forma se hace más irreconocible quisieran crear un armazón de líneas que permitan definir algo más del objeto.
Braque, Casas de l'Estaque (1908)
Cubismo cezanniano. Tendencia más clara a la definición de los volúmenes geométricos, que aún se respeta y se aproximan a formas de la geometría plana.
Todavía la incrusión de mayor número de elementos del paisaje. Hay mayor cromatismo. Todavía incluye algún tono más como el verde y no se mueve tanto en ocres o marrones. El sombreado para definir los límites de los planos y los volúmenes ya está presente. La perspectiva no es la tradicional y los objetos son bastante reconocibles.
Braque, Chateau de la Rose (1909)
Él siempre va a ser más cromático que Picasso. Incluye azulados y verdosos.
Braque, Porte de Normandie (1909)
Sigue siendo válido lo resaltado. Da la sensación de ser más prismático en la representación del objeto, con un facetamiento.
CUBISMO SINTÉTICO
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Es un proceso evolutivo. Dos cosas muy claras. Es curioso que Picasso y Braque, con la longevidad de ambos, ninguno de los dos haya hecho ningún texto para explicar qué buscaban o pretendían sobre el cubismo. Carece de cuerpo teórico, hay gente que reflexiona sobre el cubismo pero desde el pasado, ya que éste termina con la primera guerra mundial aunque luego Braque vuelva. Ellos no reconocieron ni crearon discípulos, no denominaron para nada su trabajo y no pretendieron articular un movimiento de vanguardia agresiva, no mandan mensajes ni crean diálogos. En ninguna de las exposiciones participaron ellos dos, solo los seguidores. Estaban haciendo una investigación pictórica en la que en un momento determinado, siendo sensibles a las críticas de haber olvidado el objeto y el color, pegan un cambio que sería el cubismo sintético.
Intoducen un cambio radical: Ir a una definición mayor de los objetos mediante la introducción del Papier Collé y de un mayor cromatismo.
Es interesante tener en cuenta que para recalcar la arbitrariedad del cuadro mediante la realidad, en un primer lugar no tiene ninguna relación lo que se introduce con las formas de los objetos. Se introduce también carboncillo y otras técnicas pictóricas que no tiene que ver con lo anterior.
Esto intensifica aún más la planitud del cuadro. El papier collé nos hace identificar más los objetos y añade cromatismo y al mismo tiempo reivindica aún más la delgadez del cuadro y la CONDICIÓN DE FRONTALIDAD.
Cuando el papel o el contrachapado imitan las formas que nada tienen que ver con su propia sustancia (periódico con figura de guitarra) intensifican la representación del valor anicónico [En semiología se llama a estos signos arbitrarios que se dan en el lenguaje simbólico anicónicos porque no guardan ninguna relación con la realidad].
No tiene relación con la realidad porque no existen guitarras de papel o mesas de partitura. Es arbitrario, por eso es anicónico.
De esta manera ambos rompen con uno de los principios básicos de la pintura hasta ahora, con el sistema de representación basado en el parecer, el de guardar un parecido con la realidad. A partir de la introducción del collage y de la representación anicónica rompen con ello. Pueden sugerirnos, pero no se nos parecen. El collage es una ruptura radical y una novedad sustancial. Propone una nueva experiencia estética. Propone una mayor libertad de relación con los objetos. Ya no está tan regulada la manera de relacionarnos con los objetos. También el cubismo sintético nos encontramos con vocabularios pictóricos diferentes. Deudas con el puntillismo. Asociaciones sinestésicas.
Braque, Aria de Bach (1913)
Braque, Gutarra (1913
Braque, Naturaleza muerta con pipa (1913)
Picasso, Guitarra ceret (1913)
Picasso, Violín colgado (1913)
Picasso , La italiana (1917)
Esto no es cubismo sintético, es una derivación.
El Gernica no es cubista. No leamos estupideces. Usemos la lógica
Picasso, Au Bon Marché
A veces existe un mensaje subliminar y a veces no, en los textos pegados.
Picasso, Collage 1, Collage 2
Simplistas.
Picasso, Paisaje con carteles.
Periodo muy variado, unas imágenes más pictóricas y otras menos en cuanto menor empleo de elementos pictóricos habituales.
Picasso, Instrumentos musicales.
Picasso, Suze
Picasso, Guitarra, detalle.
Picasso, Los tres músicos 1921
> No es cubismo sintético, tiene más relación que otras obras pero no es. Solo viendo el espacio tan marcado ya sabemos que no lo es, porque tanto los tres músicos como en El Gernica se define ese espacio claro, esa habitación.
Juan Gris, Tres Lámparas 1911
No nos vamos a detener en estos autores que siguen los movimientos porque no hacen una aportación radical dentro del cubismo.
Su obra es interesante pero es más interesante en el cubismo sintético que en analítico. Su ventaja es que muere joven así que su obra siempre se engloba dentro del cubismo.
Es de los muchos que se acerca al cubismo. Está en París que es la meca del arte. En el Bateau Avoir, un edificio donde residian los artistas. Ahi se aproxima al cubismo pero se va a dedicar al dibujo humorístico hasta 1910. Su primera fase es de geometrización de las formas pero no de estricto cubismo. Muchas de las consecuencias que tuvo el cubismo en los autores fue una simple geometrización de formas casi prismática, sin llegar a explorar la planitud. Otros directamente todan el sombreado arbitrario.
Esta obra dificilmente podría ser cubista.
Juan Gris, Botella y botijo, 1911
Geometriza los objetos de nuevo, es elaborada, trabaja con trasnparencias. De los métodos analíticos solo extrae la facetación del objeto, esa síntesis práctica, pero el lenguaje no tiene nada que ver con lo de Picasso y Braque. Sí coincide con ellos en la temática austera del bodegón y una paleta muy austera.
Juan Gris, El libro (1911)
Crea superficies de planos translúcidos en donde el objeto se mezcla con su fondo.
Juan Gris, Jarra, fraca y vaso, 1991.
Planos translúcidos superpuestos y a base de los mismos sí consigue algo que perseguía el analítico: la fusión del objeto y el espacio pero aún son más reconocibles los objetos de origen que en el cubismo analítico de estos años.
Juan Gris, Bodegón con lámparas y aceite
Sombreado muy potente, límítrofes de los objetos más claros, pero los cacharros se perciben.
Juan Gris, Retrato de Picasso, 1912
Es una interpretación personal del cubismo analítico, que coincide con él pero el objeto es bastante más reconocible.
Juan Gris, El fumador, 1913
Aún más personal a partir de de 1913, más dentro del sintético.
Interpretación muy ortodoxa del cubismo sintético, muy cromáticas y atractivas. Rigor arquitectónico. Define mucho los planos y los volúmenes geométricos básicos dentro de los que cierran parcelas. Su aportación es positiva.
Juan Gris, Paisajes de Ceret, 1913
Es muy concienzudo. Le va a dar mucha importancia al color.
Leer sus escritos con cuidado para entender su concepto de cuadro. El color tiene relación con el color real de los objetos pero para él el cuadro tiene su propia estética, no tiene por qué ser representativo, cuando el pintor construye un cuadro tiene que tener en cuenta el funcionamiento interno de ese cuadro, que tenga un valor absoluto.
Todos los cuadros de Gris, a pesar el facetamiento geométrico y diagonales como haces de luz, a pesar de la mezcla de elemnentos, da sensación de tranqulidad, de equilibrio, construcción medida que no piensa en crear inestabilidad en el espectador, ya que sería una contradicción.
Juan Gris, Vasos y periódicos, 1914
Será el que más fielmente represente al cubismo.
Juan Gris, La botella de anís, 1914
Sigue durante el periodo de guerra y después de la guerra un poco siempre haciendo el mismo tipo de trabajo, hasta su muerte.
Juan Gris, Garrafa y periódico, 1916
Él si hace una reflexión teórica y reflexiona acerca del proceso. Él habla de que su trabajo en esta fase es una operación deductiva que trata de analizar las reducciones formales generales entre los diferentes objetos para hacer un planteamiento en el cuadro de manera individual. Una mezcla entre la imaginación y la reflexión. Entre lo general y lo particular.
DERIVACIONES DEL CUBISMO
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Repaso rápido. No tienen tanta trascendencia posterior.
ORFISMO
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Movimiento que proviene de orfeo, interpretación personal UNA VEZ SURGIDO EL FUTURISMO. No es rigurosamente al margen del futurismo sino que tiene en cuenta algunos de sus elementos, como el volúmen. Delaunay procede de una escuela fauvista por lo que nunca va a renunciar al color. Por eso sus obras, a pesar de que trata de aproximarse al cubismo, nunca va a renunciar al fauvismo. Hay quien considera que es un creador de cierto interés y hay que piensa que encontró una fórmula y la explotó. Lleva sus teorías al campo del diseño de los objetos, que inundarán el mercado años después. El orfismo en la primera fase tiene relación con el cubismo, pero en la etapa posterior tiene más que ver con la expresión a través del color y su función autónoma, con los ritmos, etc pero no con el cubismo.
Robert Delaunay, Series de la Torre Eifel, 1910
Combina visiones fragmentadas, rotas del motivo y aplica el color de manera variable.
Periodo destructivo, trataba de romper la forma de lo que percibía. Es importante la enorme sensación de movimiento, que se ve intensificada no solo por los planos, sino por (habla la persona de atrás y no me entero de lo que ha dicho ¬¬ ).
Robert Delanuay, Torre Eiffel con árboles, 1910
Ritmos curvos, que te va llevando de forma circular. Contrucción compositiva externa que hace que la visión del espectador gire, generando movimiento que es justo lo contrario que lo que podían estar pretendiendo Picasso y Braque. La forma de desmembrar el objeto tiene más que ver con lo que hace Duchamp con la cronofotografía que con la frontalidad del cubismo analítico. Parece una imagen vista a través de un vaso de cristal prismático.
Robert, Delanuay, Ventanas simultáneas, 1912
Cambio en su estilo. Resultado de una serie de estudio que hace sobre las leyes del contraste simultáneo y sobre las teorías de Chebreu??. Signaut había publicado un libro con las teorías. Delauenay hace un uso del contraste simultáneo de manera subjetiva. Los colores no se mezclan en la retina para realzar la independencia de cada color.
Otros grupos pictóricos también experimentan el valor de solo color. Se mezcla con el grupo alemán del Jinete Azul, con Kandinsky etc. Le da el nombre de simultaneismo.
Robert Delanuay, La ciudad de Paris, 1914
Clarísima influencia ya del futurismo.
R. Delanuay, Disco Definitivo (Frank Stella!!!)
R. Delanuay, Homenaje a Bleriot (un inventor de aviación > futurismo)
Pintura no objetiva, pero en esa línea las aportaciones de otros autores alemanes y rusos son más decididas y constantes que las de Delanuay. Los autores del Jinete Azul van a fijarse en el trabajo de Delaunay. El Orfismo va a tener influencia en las vanguardias rusas, el rayonismo. También en un cubofuturismo muy cromático.
R. Delaunay, Ritmo sin fin (Opt art!!!!)
LÉGER
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Trabaja cerca de arquitectos, del que luego sería Le Corbusier.
Hace una síntesis particular entre Cezanne, cubistas, naif, etc.
Temas de vida urbana, del ambiente del trabajo. Retrato del trabajo mecánico. Es un momento de fé de que a través de la tecnología y la mecánica se regenere lo necesario para reconstruir la vida en Europa después de la guerra. También fé en el proletario industrial ruso.
F.Léger, Los fumadores, 1911
Geometrización, facetado. Volúmenes que recuerdan a los tubos. Se le denomina tubista. Es muy independiente, solo es una inspiración, no entra de lleno.
Juega con el color desde el principio y va creando una profundidad fragmentaria.
Léger, La escalera, 1913
Tiende a formas geométricas reconocibles, representaciones que pretenden parecerse a los humanos.
Años después la pintura metafísica aproxima las figuras humanas a los maniquís.
Léger, La partida de cartas, 1917
Muy condicionado por el mundo de la fábrica y de la maquinización de la misma. Por eso el tubismo.
Geometrización antinaturalista, sombreado fuerte. Figuras inanimadas, mecaniza al ser humano. Composiciones cercanas al constructivismo.
Conocimiento de lo que ocurre en otras zonas de Europa. Imágenes despersonalizadas.
Léger, La ciudad, 1919
Nada recuerda a lo natural, desprovistas de cualquier parecido con la realidad. Sugerencias de a qué se refiere, enganches en algo más reconocible como si fuesen autómatas humanos.
Léger, El tipógrafo, 1919
Recuerda más a la vanguardia rusa que al cubismo sintético.
Mano y sifón, 1924
La mujer y el niño, 1922
Elemento mecánico, 1924
Algunos de sus diseños servirán a los montajes de ballets y teatros modernos. Bauhaus.
FRESNAYE
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Inspiración cubista, pero no es cubista.
Pertenece a la llamada sección de oro. Existe pero no es importante para el cubismo.
Un siglo después vemos las diferencias, pero en la época todos sentían pertenecer a una tendencia unitaria. Quizás ésto lo percibían muy bien Picasso y Braque cuando decidían no exponer con ellos.
Artillería, 1911
DUCHAMP
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Desnudo bajando una escalera, 1912
Mezcla entre el cubismo y el cronograma, cuando a través de la fotografía se había podido desglosar la frecuencia del movimiento.
Él y sus hermanos, Jaques Vilong y Raimond de Changuillon. Fueron propensos a la discursión teórica. Discutían el desarrollo científico del cubismo. Les interesa la posibilidad de apertura a la abstracción.
La Sección de Oro es un grupo de personas que participaron en una exposición con este nombre y que se encontraban cercanas al cubismo. Quería ir a una pintura de inspiración matemática. La sección de oro o áurea es la proporción en la que el objeto debe guardar la relación entre las partes y el todo.
Cronofotografía de MAREY. Los hermanos Duchamp y Marcel se fijan en los efectos que el movimiento produce en una figura. Angulan el objeto y producen una multiplicación de las angulaciones en planos que producen esa sensación de movimiento. Mucha similitud con el futurismo. Boccioni o Carrá crean el movimiento mediante una multiplicación de los planos.
OZENFANT Y JEANNERET
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Dan lugar en 1920 al Curismo. Publica sus textos en una revista, El espíritu nuevo, durante 5 años en esta revista cultural.
Son cultivadores de un arte que dicen que se inspira en el cubismo y que quieren que sea lo más antinatural posible, que sea ordenado, dicen en el manifiesto que uno de los mayores placeres del ser humano es percibir el orden en la naturaleza. Composiciones absolutamente ordenadas. Creen que la obra para que responda al orden tiene que seguir un rigor matemático. Volúmenes muy claros y definidos, poco naturalistas, con ausencia de color vivo, color controlado. Se inspiran en la arquitectura clásica, conciben el cuadro de forma clásica, después de la guerra hay un deseo de lo inamovible, recuperar la cultura clásica, también Picasso.
Gran utilidad para el campo del diseño de objetos. Se les relaciona con otros movimientos europeos como el Neoplasticismo, y tienen mucha relación con la Bauhaus.
Jeanneret abandona por estos años la pintura para cultivar la arquitectura con el nombre de LE CORBUSIER!!
