[Historia del arte] Gauguin - Gaudi & Diferencias entre Van Gogh y Gauguin

GAUGUIN

Trabajo con la idea de que pintar es la idea que elabora el pintor después de su experiencia, quitando lo superfluo y reteniendo la esencia. Así se consigue la síntesis de forma y color. En La visión después del sermón (1888), el trazo de los objetos y los personajes los aísla entre sí. Utiliza colores vivos, nada realistas, simplifica los volúmenes y suprime las sombras y las gradaciones de color para crear una atmósfera ilusoria, donde a un grupo de mujeres, tras escuchar el sermón, se les aparecen Jacop y el ángel. El Cristo amarillo, se inspira en los artistas medievales y en la estampa japonesa. Presenta un tema religioso con un grafismo extremadamente simplificado, enmascarando las formas en contornos oscuros.
En ambas escenas observamos el simbolismo fruto de las relaciones que entabló con poetas simbolistas, que tiende a otorgar a la obra un significado intelectual. Gauguin se alejó de la cultura de Occidente y procuró integrarse en la vida local. Se familiarizaría con los indígenas e incluso tomó como compañera a una de ellas, se habituó a sus costumbres y se esforzó por comprender su religión. En el plano artístico, se basó en los elementos del folclore de la isla, observando las cosas que veía e intentando ir más allá de ellas. Su paleta se enriqueció con colores puros y cálidos creando un vocabulario personal y un estilo lleno de simbolismo, cobrando gran fuerza expresiva. La luz pierde importancia a favor de la exaltación del color, principio en que se basa años después el fauvismo. La fascinación de sus cuadros radica en las amplias zonas de colores y en sus figuras grandes, contorneadas de manera nítida. Renuncia a la perspectiva, suprime el modelado y las sombras y la sensación de plano es igual que en las pinturas japonesas.
Ararea señala la tendencia hacia el plano y los colores puros. Se encuentra a mitad de camino entre el Impresionismo y el Fauvismo de principios de siglo.Mujeres de Tahití; Dos mujeres tahitianas; ¿Cuándo te casas?; Nave, nave, ahora, son algunas de las obras donde capta la belleza de los paisajes y de las bellas muchachas.
En Y el oro de sus cuerpos plasma un sentimiento trágico. Fascina la fuerza expresiva del color que influirá no sólo en el fauvismo y en Matisse, sino en el Expresionismo.
La obra de Gauguin abre nuevos horizontes estéticos en las generaciones posteriores, ejerciendo una poderosa influencia en el movimiento expresionista y fauvista.

GAUDI
El estilo modernista incorpora dos características típicas del siglo XIX como el eclecticismo e historicismo. Los arquitectos comprobaron que la arquitectura de los clásicos no tenía porque ser un dogma obligado, sino que podían obtener lo mejor de cada estilo. Se revisan las posibilidades que ofrecían la arquitectura medieval y gótica. El gótico es el estilo de la espiritualidad europea en contraposición con lo clásico. Del gótico también recibió Gaudí la idea de la obra colectiva y anónima como resultado de la colaboración de diversos artesanos. Antoni Gaudí i Cornet fue un artista genial cuyo personalismo ha superado el espacio y el tiempo. El arquitecto catalán partió de un medio artístico local unido a las características del modernismo y del 'Art Nouveau', que marcaron su época, pero llevó su arte a metas conceptuales, técnicas y estéticas con las que lo superó. Gaudí supone, junto con sus ayudantes y seguidores, la vertitente expresionista del modernismo catalán, buscando en sus obras seguir la lógica del proceso creativo para lograr formas nuevas y sólidas.

DIFERENCIAS ENTRE VAN GOGH Y GAUGUIN
En primer lugar, tenían ideas diferentes sobre la relación entre el arte y la realidad. Van Gogh preferred to paint what he observed, depicting landscapes, people, plants and objects as they appeared to him. Van Gogh preferido para pintar lo que observó, que representan paisajes, personas, plantas y objetos, ya que se le apareció. He gave reality extra strength and dynamism by exaggerating the colours and characteristics of his subject. Él dio la fuerza adicional de la realidad y el dinamismo, exagerando los colores y las características de su tema. Van Gogh painted etudes (studies). Van Gogh pintó etudes (estudios). At a feverish pace he completed one oil study after another, often different versions of the same subject. A un ritmo febril, completó un estudio de petróleo tras otro, a menudo versiones diferentes del mismo tema. It was his intention to develop these into balanced and complete tableaux , ready for exhibition by an art dealer . Era su intención de desarrollar en estos cuadros equilibrados y completos, listos para su exhibición por un marchante de arte. But he rarely came as far as this. Pero rara vez llegó hasta esto. Time and again, his interest was drawn by a new subject. Una y otra vez, su interés fue dibujado por un nuevo sujeto.
Gauguin's approach was different. El enfoque de Gauguin era diferente. He did paint tableaux that were preceded by detailed studies. Lo hizo cuadros de pintura que fueron precedidos por estudios detallados. Gauguin took considerable time to get to grips with a subject. Gauguin tomó un tiempo considerable para poder familiarizarse con un tema. Unlike Van Gogh, he could not just pitch his easel and start painting. A diferencia de Van Gogh, simplemente no podía plantar su caballete y empezar a pintar. First, he scoured the surroundings and made countless sketches to comprehend the character of the landscape and the people. En primer lugar, recorrió los alrededores e hizo innumerables bocetos de comprender el carácter del paisaje y el pueblo. After gathering all the visual details of his subject on the spot, he went back to his studio where he painted it from memory. Después de reunir todos los detalles visuales de su tema en el acto, volvió a su estudio en el que lo pintó de memoria. As a result, Gauguin's paintings are imbued with an otherworldly, mysterious , and dreamlike quality. Como resultado, las pinturas de Gauguin están imbuidos de una, misterioso, onírico y la calidad de otro mundo. A far cry from the raw, dynamic realism of Van Gogh. Muy lejos de la, dinámica crudo realismo de Van Gogh.
Van Gogh and Gauguin also admired different artists. Van Gogh y Gauguin admiraba también diferentes artistas. Whereas Van Gogh had great esteem for the richly-textured brushstrokes of Monticelli, the realism of Millet and Daumier, and the dramatic biblical and mythological scenes of Delacroix, Gauguin preferred the controlled classicism of Ingres and the quiet, soft-toned works of Puvis de Chavannes. Mientras que Van Gogh tenía una gran estima por la rica textura de las pinceladas de Monticelli, el realismo de Millet y Daumier, y las bíblicas y mitológicas escenas dramáticas de Delacroix, Gauguin prefiere el clasicismo de Ingres controlado y el suave y de tono tranquilo obras de Puvis de Chavannes.

[Historia del arte] Postimpresionismo (Marta)

EL POSTIMPRESIONISMO

El impresionismo, con su afán por captar la luz del natural, había ido disolviendo las formas en su ambiente y todos los elementos del cuadro habían ido perdiendo volumen, dibujo y sentido del espacio. En los últimos años del XIX y principios del XX nos encontramos con unos pintores que partiendo del impresionismo, derivan hacia una pintura personal que anuncian algunos de los movimientos pictóricos más importantes del siglo XX. El postimpresionismo supone entre otras cosas una recuperación de la importancia del dibujo y de la preocupación por captar no sólo la luz sino también la expresividad de las cosas y de las personas iluminadas. su trascendencia para la evolución del arte es, si cabe, mayor que la de los pintores impresionistas.

Algunas características generales, con inclusión del pintor que mejor las representa:
- Interés por la construcción de la forma, el dibujo y la expresividad de los objetos y figuras humanas.
- Conciliación entre efecto volumétrico (conculcado por el fulgor luminoso impresionista que casi había desmaterializado las formas) y el gusto puramente estético (Cézanne).
- Concepción del cuadro a base de cuerpos rigurosamente geométricos (Cézanne)).
- Empleo de colores contrastantes para distendir y definir los planos y formas.
- Efectos pictóricos basados en búsquedas estructurales, espaciales y cromáticas.
- Utilización de colores puros con gran carga emotiva ( Van Gogh) y modulados (Gauguin)).
- Creaciones imaginativas a base de pinceladas cursivas que intentan expresar la angustia y el desconsuelo  interior (V. Gogh).
- Interés por lo exótico (Gauguin) y los bajos fondos (Toulouse-Lautrec).
- Creación de composiciones simplificadas y estáticas, buscando la armonía de las masas cromáticas encerradas en perfiles bien ceñidos (Gauguin).

VAN GOGH

Deseaba pintar gente trabajando, en un estilo crudo que expresara sus sentimientos. Van Gogh refleja con claro realismo la vida cotidiana de los menos protegidos, teniendo como punto de partida a los pintores realistas franceses como Millet. También tuvo un claro referente en Rembrandt en cuanto al cromatismo. Sus gamas ahora serán oscuras, los ambientes pobremente iluminados y con tensiones de luces y sombras. Ejemplo El tejedor.
En Los comedores de patatas

refleja a una familia reunida alrededor de una mesa con luz tenue, comiendo las patatas que han cultivado y recolectado. En La terraza de café en la Place du Forum vemos como supera las limitaciones cromáticas de los impresionistas. La composición está dominada por dos colores primarios, el azul y el amarillo. Pinta de forma abreviada. En La noche estrellada, el cielo presenta un gran dramatismo. Dos enormes espirales nebulosas se envuelven una con otra. El ritmo de las curvas que dominan el cielo proporciona gran dinamismo al cuadro. El pueblo, sereno, representado con trazos rectos y breves, contrasta con la violencia del cielo. En esta obra el mundo se cierne amenazador sobre el artista, es una visión apocalíptica. Representa la pequeñez del ser humano frente a las fuerzas de la naturaleza. Hay una tremenda agitación. Los astros están a punto de chocar, nos hallamos ante un eminente fin del mundo. Todos estos efectos se consiguen por medio de una pincelada larga y arremolinada. Servirá de puente de unión con el Expresionismo. Campo de trigo con cuervos expresa la desolación y soledad del artista al borde del suicidio. Ha desaparecido todo rastro de figura, manteniéndose únicamente el gesto pictórico.

La iglesia de Auvers-sur-Oise muestra el mundo interno del pintor. El cielo con torbellinos de manchas, la iglesia gótica parece desmoronarse y los caminos serpenteantes amenazan un cataclismo.

[Arte y Tecnología] Jean Genet's - Un Chant D'amour III

[Arte y Tecnología] Jean Genet's - Un Chant D'amour II

[Arte y Tecnología] Jean Genet's - Un Chant D'amour

[Historia del arte] Futurismo II

Futurismo nuevo modelo de vanguardia en torno a la persona de Marinetti.
Tiende a confundirse con la figura  y absorve muchas de las energías y parece la única mente capaz de concebir el futurismo.
Es una vanguardia que practica el sectarismo > Grupo que se aglutina en torno a alguien o algo y que deja a un lado su capacidad de pensamiento autónomo para seguir una serie de principios sin cŕitica. El futurismo funciona así ya que no admite margen para que haya diversidad de pareceres. El culto a Marinetti nos dice que cultiva el personalismo. En otras vanguardias no es tan frecuente pero en el Subrealismo Bretón será similar.

Inaugura un tipo de vanguardia diferentes ya que hasta ahora habían sido cerrados en cenáculos artísticos y culturales, proyectaban ahí su planteamiento y no tenían una voluntad de presencia pública provocativa. Las ideas fundamentales en los mov de vanguardia eran ideas fundamentalmente artísticas, que se dirigían hacia los grupos de arte. Las ideas se proyectaban antes que en ningún tipo de manifiesto, en el medio artístico que trabajaban. Las reflexiones eran posteriores. Ahora, con el futurismo, nos encontramos ante un movimiento que antes de tener una explicación plástica o literaria tiene una proyección en un texto escrito: El Manifiesto. Por lo tanto los futuristas se dirigen no a un grupo reducido de artistas e historiadores, sino que lo hacen directamente a la población. Ese carácter polémico es una de las claves de identidad.
Nueva forma de actuación: No cohesionados en torno a ideas estéticas, ni igualdad de las mismas: Tienen una serie de proclamas "anti" pero no formulación positiva de ideas sobre el valor de la forma, el valor del arte, la conexión del arte cn el público pero sí tienen ideas de que hay que destruir, qué romper. Actúan en torno a un programa político de acción que plasma su ideario en los manifiestos pero cultivarán la actividad pública en manifestaciónes, teatros, veladas de danza, lecturas de poesía atemáticas (solo formas de actuación provocativas). Marinetti a partir de la publicación del manifiesto se va a dedicar a una frenética actividad de charlas, mítines, manifiestos, etc. Con una vocación clara de hacer proxenitismo, conseguir adeptos, personas que se sumen a esa ideología que él sigue de manera ciega, poco crítica. Esta actividad continúa en los productivistas, en los dadá, crea escuela.

Movimiento de fuertes contradicciones:
Por una parte dicen que son antirománticos, pero lo que predican y proponen es un arte fuertemente emotivo, que exprese los estados de ánimo.
Por otra parte exaltan la ciencia, el culto a la tecnología, el culto a la máquina (a la que identifica con la idea de progreso) pero dicen que sus obras tienen que ser "líricas"
Se proclaman todo el rato socialistas pero no apoyan las luchas obreras, no tienen en cuenta la idea de igualdad entre seres humanos.
Se proclaman internacionalistas, pero exaltan el "genio italiano" y afirman que salvará la cultura occidental. Muy nacionalistas.
La cultura regenerará el mundo, pero exaltan la guerra como única higiene del mundo.
Los manifiestos dejan bien claro el culto a la técnica, la máquina y la idea de progreso, que no es algo cultural que luego lleva a la tecnológico. Viene motivado por el uso de la tecnología y de la máquina. Quieren romper con la sociedad burguesa desde coordenadas absolutamente burguesas.
Deseo de romper como lo museable. Coche versus venus. Hay tal peso de la cultura italiana anterior que lo consideran un ancla a un futuro más explendoroso.
La contradicción es que cuando empiezan a ser museables no reniegan. Venden al mercado.
Admiran el progreso pero se decantan por una ideología como el fascismo.
Diferencia entre sus manifiestos y textos y sus producciones prácticas. Se fundamentan el la idea estética de ARTE IGUAL A VIDA IGUAL A ACCIÓN.
No consideran el arte sin implicación, sin acción. Un compromiso con el mundo en el que vivimos.
Tiene manifiesto para todos los campos. Tienen una voluntad de proyección total. De implicación con todas las actividades que pueden tener algo que ver con la creatividad y la vida ordinaria de las personas. De esa manera contribuyen a diluir los límites y la autonomía, el aislamiento de los campos artísticos. Hablan de arte al estilo griego. Hablan de tekné, una habilidad técnica para dominar un campo. Los griegos nunca jamás hablan de arte en el sentido de creatividad y autoexpresión. Eso es del romanticismo para acá.


Los futuristas, detrás de todos sus planteamientos está la idea de que no es algo puramente artístico, es algo más filosófico, que es capaz de interpretar la práctica totalidad de los fenómenos humanos, que se plasma y afecta a todas las manifestaciones de la vida diaria. Le dan mucho valor a que su idea ha surgido como de una necesidad, no como algo planteado por filósofos o criticos: Son los propios artistas los que optan por este camino como convencimiento personal. Desde el punto de vista futurista no hay un estilo, no hay una sola forma de hacer cosas. No hay un lenguaje pictórico o escultórico definido o constante. No crean nada verdaderamente innovador. Beben de las fuentes más modernas pero no aportan ni una sola formulación auténticamente propia, tienen la habilidad de tomar de aquí y de allá. La idea de captar el movimiento no es suya, viene de la cronofotografía, ya en 1800, y una obsesión de la fotografía, que se plasmará en el cine. Ni la atención a la industria es novedosa, los movimientos derivados del desarrollo industrial ya han tenido ese culto a la máquina, de otra manera. Pero técnicamente toma del impresionismo, puntillismo, expresionismo, cubismo, descomposición analítica o collage del sintético. No hay una sola aportación original plástica. De los cubistas la idea del plano como elemento mínimo del lenguaje pictórico. Para ellos el plano tenía un valor semenjante al de la pincelada en un cuadro barroco. Marca el estilo y es un elemento a tener en cuenta. Interpenetran el plano para crear la sensación de movimiento (Dinamismo de un perro con correa > Balia > 1912) Se juntan pero un plano no anula la visión de otro, con transparencia u otro recurso. De esa manera logran la síntesis entre la forma y el color, entre el tiempo y el espacio. La forma y el color que percibimos a medida que ese objeto adquiere movimiento. En estado de quietud percibimos el color unido. En cuanto el movimiento afecte a como se refrecta la luz en el objeto habrá unas ligerísimas diferencias de color. El color varía en función del movimiento. (Balla > lámpara > 1909) (Carrá > salida del teatro > 1909). El objeto no es un resultado estable sino resultado de las líneas de fuerza cromáticas, lumínicas que actúan sobre él.
Severini > la bailarina obsesiva
Carrá > Nadadora.
Los futuristas destruyen la atmósfera. No hay un medio ambiente ni aire entre los objetos. Tampoco realidad visible entre los objetos. Esto ocurre en el cubismo pero aquí es más perceptible. Se sustituye por unos planos que se superponen unos con otros. No puede existir perspectiva aérea. Sí usan la saturación o la carencia de ella para crear planos y profundidad en el cuadro, pero no tiñen los fondos del color dominante del aire (montañas azules > refracción de la luz) ya que si estás plasmando el movimiento no tiene sentido plasmar ese aire, porque todo está cambiando de lugar. La perspectiva aérea presupone un observador quieto y una realidad aérea que tiñe todo. Leonardo plasma esa observación directa de la realidad, que es la cantidad y la calidad de aire que se interpone entre dos objetos implica la percepción de un color no real, sino un color local.
Mientras que los cubistas toman el plano y lo ordenan, los futuristas lo interpenetran y lo dinamizan. (Boccioni > Los adioses > 1911 > Toma recursos del cubismo y hasta las letras).
El puntillismo les permite que la superficie vibre. (Baia > niña que corre en un balcón > 1921) Teselas cuadradas, compactas tienen la posibilidad de dar la sensación de que una superficie al no ser contínua de color hace que vibre más y acentúe la sensación de movimiento. También una razón cultural: De los movimientos anteriores el neoimpresionismo y puntillismo tuvo bastante eco en Italia dando lugar al Divisionismo, la versión italiana del mismo. Parecía una concesión a la vanguardia italiana.
De los alemanes toman un cierto carácter reivindicativo, la viveza del color.
Pero la seña de identidad es la existencia del estudio del desarrollo del movimiento en su acción y consecución. La manera que tienen de representarlo es nuevo, ya hubo ésto en pintura romántica y escultura barroca, NO SENSACIÓN DE MOVIMIENTO, DESARROLLO DEL MOVIMIENTO. (Goya > Fusilamientos dos de mayo > secuencia narrativa del movimiento en un mismo cuadro) No es lo mismo el desarrollo de una acción y el desarrollo de un movimiento. Les obsesiona ese desarrollo aunque no sean los primeros. Por eso adoptan técnicas de mov anteriores en función de que les parezcan más o menos útiles. Pero no hacen puntillismo, ni cubismo, solo recogen el recurso, no la manera de hacer. Solo en función del interés representativo.
Situación contradictoria representar en un plano bidimensional de algo 3D en movimiento.

Es evidente que tenemos un paso más en la ruptura con la idea del cuadro-ventana abierta a la realidad. No tratan de representar todo ni una selección, sino que tratan de recoger el conjunto, no solo un elemento. Tratan de que el cuadro haga una síntesis para el espectador, "El cuadro debe de ser la síntesis entre aquello que se recuerda y aquello que se ve" Manifiesto de la Pintura futurista.


Semana que viene: No va a pedir textos sobre los Movimientos de Vanguardia rusos pero hará preguntas en clase sobre ello.




MOVIMIENTO RELATIVO Y MOVIMIENTO INMANENTE EN LA PINTURA FUTURISTA: Dos corrientes complementarias.
Russolo > Dinamismo de un coche > 1921 > Inmanente: Movimiento de los objetos en el espacio que afecta al estacio. Se interprenetran. Chocan unas fuerzas dinámicas con otras. El espacio no es estático porque el coche se mueve sobre él y lo rompe. (Carrá > Los funerales del anarquista Galli) (La construcciñon de la ciudad que emerge > Boccioni) No hay una secuencia de movimiento, tenemos la conjunción de lo que afecta al movimiento al objeto con lo que afecta al movimiento de lo que le circunda. El paso del automóvil descompone la luz, descompone la composición del espacio.

Dinamismo de perro > Relativo: El movimiento fáctico de un objeto. El mov de hecho. Un fondo estable, que hace alusión al suelo y tenemos conciencia de que se mueve el objeto. Se transcribe mediante una sucesión sintética de planos sucesivos cristalinos. En la imagen se nos sintetizan distintas fases del movimiento. El objeto se mueve y es espacio está estático. Se relaciona con Marey. El objeto se mueve pero no ocurre nada alrededor.


Cuando es un paisaje, no hay un objeto, por lo tanto no hablaríamos de movimiento inminente o relativo. Pero aún así, sería inminente en caso de tener que elegir.
Boccioni > Los adioses.

Severini > Bailarina azul > 1912 > Todos los recursos: Color del expresionismo, puntillismo, fragmentación del plano del cubismo, cristalización, etc.

Siendo un movimiento que quiere inspirarse en el mundo de la máquina, no tienen ningún interés científico. Ni tan siquiera un análisis científico del movimiento. En los años 13 parece un intento de sistemización (Balla > Compenetración iridiscente. Estudio de luz > 1913) Intención de racionalizar. Influencia de Malevick. El año 13 es un año muy interesante para estudiar dentro de las vanguardias.

Carra > Desarrollo atmosférico > 1914 > Ruido visual. Experimentación. Onomatopeya.
Carra > Manifestacion intervencionista > 1914 > Uso del collage como un recurso más tomado del Cubismo, pero los elementos elegidos no sirven para hablar del objeto que se está representando, sino que toma elementos y los pega. No ayuda al espectador a acercarse a la realidad.

[Historia del arte] Futurismo I

• El futurismo es un movimiento de vanguardia artística que engloba las distintas artes – danza, pintura, escultura, arquitectura, música, literatura, cine- además de moda, publicidad, etc. Esto se debe a que el futurismo se presenta con la pretensión de afectar a la totalidad de la vida y construir un nuevo mundo.
• Se centra en Italia, desde Milán. Gira en torno a Filippo Tomasso Marinetti quien publica en el periódico Le Figaro el manifiesto futurista en 1909.
• Lo integran artistas como Giacomo Balla, Humberto Boccioni, Carlo Carrá, Luigi Russolo o Gino Severino.
• Fue un movimiento de corta duración (hasta 1914) pero que se extendió de forma muy vivaz y trascendió en muchas expresiones artísticas posteriores  (Duchamp, léger, Delaunay, constructivismo ruso…).

• En este manifiesto se muestra como una ideología anti-tradicionalista, que ensalza la vida contemporánea, la cual cambia a un ritmo vertigionoso, además de lo que supone ésta (industrialización, máquinas, espíritu técnico de la era moderna, sociedad masificada de las grandes ciudades). Es una ruptura con el pasado, al cual deshecha. Para ellos el pasado en el arte es el academicismo,el buen gusto,   la actitud desdeñosa y aritocrática de los intelectuales de vanguardia, los críticos, los museos (que llaman criptas) y la mercantilización del arte. También se caracterizan por un fuerte anticlericalismo. Buscan expresarse sin preocuparse por la estética y rechazan las normas y leyes.
• Por esta oposición ensalzan la juventud, la irracionalidad, la pasión, la energía, la fuerza, el movimiento, la agresividad (que plasmarán en sus textos, sinceros y directos. Además a esta actitud se debe en parte su antiacademicismo). Les apasiona retratar la realidad en movimiento, tan presente en la vida del hombre contemporáneo (porque nada es estático). Muestran interés por la cronofotografía

• Además en sus escritos, los futuristas exaltan la guerra como ‘higiene del mundo’ debido a los valores que según ellos se presentan en ésta: deshumanización, presencia de la máquina (‘el ruido atronador del cañón’), coraje… . Defienden el ultra-nacionalismo en contra de la vieja Italia, que consideran podrida con su democracia parlamentaria, etc. Difunden sus ideas agitando en veladas futuristas por toda Italia en las que la audiencia se divide según su simpatía o no hacia los futuristas y suceden reyertas muy fuertes. Marinetti llega a ser encarcelada por 4 meses.

• Se posicionan también en contra del Amor, y por extensión de la mujer. Sin embargo dicen apoyar a las sufragistas ya que con el derecho a voto (no hay que olvidar que rechazan el parlamentarismo, y que entienden como algo de lo que las mujeres renegarán) dejarán de preocuparse por el amor, y dejarán de ser una máquina de placer. El sexo debe ser para procrear. La mujer es inferior al hombre porque recibió una educación mental y física distinta del hombre.

• Los motivos de las obras futuristas giran en torno a lo que ensalzan; la cultura urbana, es decir, máquinas, deporte, vehículos en movimiento. Van eliminando progresivamente todo simbolismo. Hacen caballos, perros, humanos, etc con series radiales de brazos, piernas y cabezas para representar su moviendo.

[Apuntes compartidos por Adam Kozinski]