[Apuntes de Mar Delgado]
CONCEPTO DE ARTE
No existe. No puede definirse el arte. Dino Formaggio (Libro"Arte") decía en los 70's que "es todo aquello que uno quiere llama arte".El concepto de arte es un concepto de compromiso. Depende de lo que en cada momento determine la sociedad. En cada época presenta contornos diferentes, contenidos distintos, sentidos diferentes. Incluso en la actualidad se usa para definir muchas cosas. No se puede definir como algo compacto y seguro, porque es complejo. Nuestro concepto de arte no es nuestro: Inculcado en casa, colegio, etc. o por los medios o por los libros, se nos ha presentado algo como un modelo de arte. Nuestra posición depende de ese concepto que tenemos en la cabeza, de ello dependen los ejercicios. Si nuestra idea coincide con los planteamientos irá bien, pero sino habrá una reacción contraria, de rechazo.
Nuestra definición no tiene fundamento, porque el concepto de arte evoluciona. No se puede mirar la Tekné griega con los mismos ojos que lo que hacían los medievales en Compostela o al arte del s.XXI. No puede tenerse un concepto como tampoco puede tenerse un concepto de moral. Depende de lo que la época denomine.
El concepto de arte depende del contexto. Lo que cada grupo humano (geografía + época) determine. No hay un denominador común, ni una serie de rasgos que se puedan sacar de las obras artísticas comunes. Para que sea percibida como tal necesita de la calificación y aceptación del receptor. Lo que queremos admitir como arte. Lo más común es desproveer a los objetos de su significado. Lo sacamos de su contexto, lo situamos en otro y lo denominamos arte. Ocurre así con los objetos de culto, objetos que se usaron para una finalidad muy concreta (religioso, etc.) ahora los sacamos de su contexto y los idolatramos, dándoles una intención que no tuvieron.
Cuando creemos que existe un concepto invariable de arte mostramos nuestra inseguridad. ["Historia de 6 ideas" Tatarkiewitz > Muestra diferentes conceptos de arte] El "yo" por delante, comunicar sin código nuestro interior, es una constante de nuestra época. Comienza en el s.XVII, demasiado nuevo. Rafael o Miguel Ángel no estaban comunicando su yo interior, es una idea ilustrada/romántica.
Si queremos tener una cierta idea de qué es el arte en un periodo, necesariamente hay que acercarse a la sociedad que lo produce. No solo filosofía y política: Económico, social, luchas de poder, etc.
VALORES ESTÉTICOS
Son absolutamente mudables. Lo que se valora como estético es muy difícil de definir. Según la filosofía clásica, el conocimiento se obtenía con una reflexión a través del intelecto, de la razón. A esa forma de conocimiento se la llamó lógica. Fue la vía de conocimiento reconocida y firme durante muchos siglos .En el s.XVIII nació la estética, que pretendía el conocimiento empírico, que podía obtenerse a través de los sentidos. Defendían que era tan válido el conocimiento intelectual como el de los sentidos. Incluso hay una corriente filosófica, el empirismo inglés, que nos dice que solo lo que conocemos a través de los sentidos tiene fiabilidad. La ciencia moderna parte de esto. Los movimientos artísticos que vamos a dar se pueden englobar en dos grandes grupos: Para unos artistas el arte es una cuestión experimental, a través de la cual se quiere transmitir, provocar y obtener experiencias sensibles. Para otros el arte es una forma de reflexión intelectual. Hay que situarse ante esta disyuntiva, para saber de dónde procede nuestro concepto de arte, y para saber qué hay detrás de las propuestas artísticas. Esto son los conceptos estéticos, que no sólo mudan de una época a otra sino entre los grupos contemporáneos. No se puede definir lo bello.
IDEA DE QUE EL ARTE TIENDE SIEMPRE A UN PROGRESO LINEAL
La culpa la tiene la Ilustración, en la que se recurrió para explicar el proceso artístico en relación a los procesos vitales, con periodos de infancia, madurez y decadencia. El Renacimiento se observa como un pre, una época de madurez y una decadencia. También con el arte griego, se observa como una evolución de la arcaica a la plena, pero no hay que creérselo, ya que depende mucho no del desarrollo intelectual y de los materiales usados. Por supuesto es imposible aplicar este concepto al arte de vanguardia. Orientaciones dispersas en el ambiente que se canalizan y surge algo, luego deja de tener interés. Pero no tiene una relación con nuestros procesos vitales. Sí procesos evolutivos con materiales o fenómenos (fotografía, etc) que hacen cuestionarse las cosas. Hay procesos evolutivos, pero no evolución como degeneración, sino como cambio.
CONCEPTO DE ARTEMODERNO/CONTEMPORÁNEO
Antes se llamaba arte de la época Moderna (a partir de la caída de Constantinopla, s.XV Renacimiento, manierismo y barroco) y el arte contemporáneo comienza en el s.XVIII. Ahora se usan estos términos de forma aleatoria, Moderno como algo novedoso, que tronca como nuestro medioambiente, y lo contemporáneo se usa para definir lo que nos está ocurriendo.
ARTE CONTEMPORÁNEO: Abarca muchos movimientos, pero denomina un tipo/s de arte que se desarrollan a comienzos del s.XIX. El primer rasgo que nos encontramos es la pluralidad, se diferencia de otras épocas en las que los artistas se diferenciaban pero se basaban en fundamentos similares.
-Ya no hay un solo criterio.
-Existe el que se hace por encargo y vive la situación competitiva del mercado pero también el que se hace libremente. Puede ser el que surge de la necesidad interior, el que se convierte en un agente de experimentación, de provocación, o el que no tiene ninguno de esos objetivos. Puede ser un producto hecho por una persona a la que la sociedad llama artista y quiere hacer arte o también se llama a objetos hechos por un artista con la intención de crear anti-arte (Duchamp).
-El arte contemporáneo es una realidad muy compleja y muy plural. La definición vendrá dada por el contexto. Llevado un objeto a un museo, nuestra relación con él cambia. Ha habido varios factores que han contribuido al bautismo de los objetos: Los museos y las galerías. Son espacios donde los objetos se sacralizan. Cambia la consideración, y hasta el valor. Esto no ocurre antes. Goya decora con sus murales, pero no existe conciencia de la obra de arte como tal en la sociedad. El artista hasta el s.XIX es una pieza más del engranaje de los grandes señores, como el que cuidaba a los caballos.
Nos vamos a enfrentar a producciones artísticas para las que no tendremos ni un solo criterio para juzgar si es bueno o malo. Podemos tener valoraciones ya hechas, la historia del arte es un proceso de filtración. No tienen por qué ser las mejores. En algunos casos tiene muchos sentidos, que llegaron a reflexiones artísticas, etc. Pero hay que entender que mientras que en el renacimiento los grandes artistas eran los más reconocidos en su época, en tiempos más recientes los filtrados son los que no vivían del arte o no eran nada reconocidos (Monet, etc.) con menor presencia social. Todos los que vivieron muy bien y fueron muy reconocidos (Fortuny en el s.XIX que fue como Picasso en el s.XX) ahora no le suena a casi nadie.
ARTE CONTEMPORÁNEO ININTELIGIBLE
Muchas personas creen que el arte contemporáneo es difícil de comprender, que no es para la masa. Habría que analizar varios factores:
-Creemos que la
población en todas las épocas ha tenido el
mismo tipo de contacto con la obra de arte. Antes del s.XVIII no se contemplaba como obra de arte. Cuando alguien veía un cuadro de Rubens en una iglesia lo que disfrutaba era lo bien que estaba representado pero lo usaba como icono para rezar.
-El
acercamiento de las personas
a la cultura y al arte es bastante reciente. El el s.XVII la Ilustración las formas de transmisión del conocimiento, atribuye al arte una función educadora (que no función adoctrinadora, que son diferentes). Ahora se reconoce que el arte es un método de experimentación, de conocimiento del mundo, como forma de reflexión y como transmisor de conocimiento. (Ej. La perspectiva aérea es algo sobre lo que se reflexiona en el s.XV, y se dan cuenta de que el aire entre los objetos determina la percepción cromática, siendo el más cercano más rico en saturación. Los colores de los objetos interfieren unos con otros (montañas azules). Esto era algo más allá de lo artístico, pero solo los pintores lo transmitieron entre ellos). Ven como medio el arte para transmitir información más allá del arte.
EL ARTE ES UN MEDIO DE CONOCIMIENTO
Cambio de mentalidad radical, que es un método de enseñanza tan válido como los demás y se convierte en medio de educación, que además tiene una gran ventaja, que no hace falta tener un conocimiento del lenguaje: La música, las artes plásticas y abstractas pueden provocar el mismo tipo de conocimiento independientemente de su idioma, son icónicas. El arte adquiere mucho peso en el s.XVIII. Se entiende que para que todo el mundo se forme tienen que tener acceso al arte y NACE EL MUSEO. El "público" de arte nace en la segunda mitad del s.XIX.
Hasta finales del s.XVIII el criterio era estable: Reproducía la realidad. Se refería a temas que todo el mundo podía reconocer. El arte suponía una habilidad técnica específica que solo algunos poseían. El artista era admirable por reproducir la realidad y enviar mensajes comprensibles.
Después aparece la LIBERTAD DEL ARTISTA. Al igual que pone énfasis en el conocimiento, lo pone en la libertad, primero en general y luego deriva en la libertada del artista. Aquellos que creen en la libertad y en su idea, se apartan de la academia y hacen algo diferente. Se produce un choque enorme, porque al público se le dice que debe acercarse a la obra de arte con los parámetros académicos para aprender y de repente los artistas hacen lo que quieren (romanticismo).
Desencuentro entre lo que la gente espera ver y lo que va a obtener.
Rompen con los códigos establecidos por la academia, que eran el medidor que sirven al público para entender el arte. Hoy en día se siguen dando recetas y adoctrinando para entender el arte. Se nos inculcan conceptos dogmáticos, casi nadie explica los porqués. No es educación, es doctrina. Se nos dice que el arte tiene que enseñar pero no se nos dice cómo.
Schiller y los pensadores de final del sXVII tienen la idea de la educación estética del hombre, que se puede estudiar a través de la belleza y la bondad al hombre. El arte debe ser comprensible para todas las personas sin ningún esfuerzo, y esto es falso. Pensaban que se podía transmitir sin conocimiento previo, sin una experiencia estética anterior. Se nos invita a pasar al museo, pero no se nos dice que para comprender, después de mirar, hace falta hacer un esfuerzo.
El arte es un lenguaje, un medio de conocimiento y una forma de crecer, pero no se produce por ciencia infusa. El arte ha entrado en la esfera de la discusión pública. Se discute si algo es bueno o es malo. El problema es que esto se produce cuando la sociedad no tiene un concepto fijo de arte ni una normativa académica Standard y que el concepto de artista también ha variado.
IDEA DE QUE EL ARTE TIENDE SIEMPRE A UN PROGRESO LINEAL
La culpa la tiene la Ilustración, en la que se recurrió para explicar el proceso artístico en relación a los procesos vitales, con periodos de infancia, madurez y decadencia. El Renacimiento se observa como un pre, una época de madurez y una decadencia. También con el arte griego, se observa como una evolución de la arcaica a la plena, pero no hay que creérselo, ya que depende mucho no del desarrollo intelectual y de los materiales usados. Por supuesto es imposible aplicar este concepto al arte de vanguardia. Orientaciones dispersas en el ambiente que se canalizan y surge algo, luego deja de tener interés. Pero no tiene una relación con nuestros procesos vitales. Sí procesos evolutivos con materiales o fenómenos (fotografía, etc) que hacen cuestionarse las cosas. Hay procesos evolutivos, pero no evolución como degeneración, sino como cambio.
CONCEPTO DE ARTEMODERNO/CONTEMPORÁNEO
Antes se llamaba arte de la época Moderna (a partir de la caída de Constantinopla, s.XV Renacimiento, manierismo y barroco) y el arte contemporáneo comienza en el s.XVIII. Ahora se usan estos términos de forma aleatoria, Moderno como algo novedoso, que tronca como nuestro medioambiente, y lo contemporáneo se usa para definir lo que nos está ocurriendo.
ARTE CONTEMPORÁNEO: Abarca muchos movimientos, pero denomina un tipo/s de arte que se desarrollan a comienzos del s.XIX. El primer rasgo que nos encontramos es la pluralidad, se diferencia de otras épocas en las que los artistas se diferenciaban pero se basaban en fundamentos similares.
-Ya no hay un solo criterio.
-Existe el que se hace por encargo y vive la situación competitiva del mercado pero también el que se hace libremente. Puede ser el que surge de la necesidad interior, el que se convierte en un agente de experimentación, de provocación, o el que no tiene ninguno de esos objetivos. Puede ser un producto hecho por una persona a la que la sociedad llama artista y quiere hacer arte o también se llama a objetos hechos por un artista con la intención de crear anti-arte (Duchamp).
-El arte contemporáneo es una realidad muy compleja y muy plural. La definición vendrá dada por el contexto. Llevado un objeto a un museo, nuestra relación con él cambia. Ha habido varios factores que han contribuido al bautismo de los objetos: Los museos y las galerías. Son espacios donde los objetos se sacralizan. Cambia la consideración, y hasta el valor. Esto no ocurre antes. Goya decora con sus murales, pero no existe conciencia de la obra de arte como tal en la sociedad. El artista hasta el s.XIX es una pieza más del engranaje de los grandes señores, como el que cuidaba a los caballos.
Nos vamos a enfrentar a producciones artísticas para las que no tendremos ni un solo criterio para juzgar si es bueno o malo. Podemos tener valoraciones ya hechas, la historia del arte es un proceso de filtración. No tienen por qué ser las mejores. En algunos casos tiene muchos sentidos, que llegaron a reflexiones artísticas, etc. Pero hay que entender que mientras que en el renacimiento los grandes artistas eran los más reconocidos en su época, en tiempos más recientes los filtrados son los que no vivían del arte o no eran nada reconocidos (Monet, etc.) con menor presencia social. Todos los que vivieron muy bien y fueron muy reconocidos (Fortuny en el s.XIX que fue como Picasso en el s.XX) ahora no le suena a casi nadie.
ARTE CONTEMPORÁNEO ININTELIGIBLE
Muchas personas creen que el arte contemporáneo es difícil de comprender, que no es para la masa. Habría que analizar varios factores:
-Creemos que la
población en todas las épocas ha tenido el
mismo tipo de contacto con la obra de arte. Antes del s.XVIII no se contemplaba como obra de arte. Cuando alguien veía un cuadro de Rubens en una iglesia lo que disfrutaba era lo bien que estaba representado pero lo usaba como icono para rezar.
-El
acercamiento de las personas
a la cultura y al arte es bastante reciente. El el s.XVII la Ilustración las formas de transmisión del conocimiento, atribuye al arte una función educadora (que no función adoctrinadora, que son diferentes). Ahora se reconoce que el arte es un método de experimentación, de conocimiento del mundo, como forma de reflexión y como transmisor de conocimiento. (Ej. La perspectiva aérea es algo sobre lo que se reflexiona en el s.XV, y se dan cuenta de que el aire entre los objetos determina la percepción cromática, siendo el más cercano más rico en saturación. Los colores de los objetos interfieren unos con otros (montañas azules). Esto era algo más allá de lo artístico, pero solo los pintores lo transmitieron entre ellos). Ven como medio el arte para transmitir información más allá del arte.
EL ARTE ES UN MEDIO DE CONOCIMIENTO
Cambio de mentalidad radical, que es un método de enseñanza tan válido como los demás y se convierte en medio de educación, que además tiene una gran ventaja, que no hace falta tener un conocimiento del lenguaje: La música, las artes plásticas y abstractas pueden provocar el mismo tipo de conocimiento independientemente de su idioma, son icónicas. El arte adquiere mucho peso en el s.XVIII. Se entiende que para que todo el mundo se forme tienen que tener acceso al arte y NACE EL MUSEO. El "público" de arte nace en la segunda mitad del s.XIX.
Hasta finales del s.XVIII el criterio era estable: Reproducía la realidad. Se refería a temas que todo el mundo podía reconocer. El arte suponía una habilidad técnica específica que solo algunos poseían. El artista era admirable por reproducir la realidad y enviar mensajes comprensibles.
Después aparece la LIBERTAD DEL ARTISTA. Al igual que pone énfasis en el conocimiento, lo pone en la libertad, primero en general y luego deriva en la libertada del artista. Aquellos que creen en la libertad y en su idea, se apartan de la academia y hacen algo diferente. Se produce un choque enorme, porque al público se le dice que debe acercarse a la obra de arte con los parámetros académicos para aprender y de repente los artistas hacen lo que quieren (romanticismo).
Desencuentro entre lo que la gente espera ver y lo que va a obtener.
Rompen con los códigos establecidos por la academia, que eran el medidor que sirven al público para entender el arte. Hoy en día se siguen dando recetas y adoctrinando para entender el arte. Se nos inculcan conceptos dogmáticos, casi nadie explica los porqués. No es educación, es doctrina. Se nos dice que el arte tiene que enseñar pero no se nos dice cómo.
Schiller y los pensadores de final del sXVII tienen la idea de la educación estética del hombre, que se puede estudiar a través de la belleza y la bondad al hombre. El arte debe ser comprensible para todas las personas sin ningún esfuerzo, y esto es falso. Pensaban que se podía transmitir sin conocimiento previo, sin una experiencia estética anterior. Se nos invita a pasar al museo, pero no se nos dice que para comprender, después de mirar, hace falta hacer un esfuerzo.
El arte es un lenguaje, un medio de conocimiento y una forma de crecer, pero no se produce por ciencia infusa. El arte ha entrado en la esfera de la discusión pública. Se discute si algo es bueno o es malo. El problema es que esto se produce cuando la sociedad no tiene un concepto fijo de arte ni una normativa académica Standard y que el concepto de artista también ha variado.
[Apuntes de Esther Serna]
CONCEPTO DE ARTE CONTEMPORÁNEO
Picasso,
Bodegón con rejilla (1912)
Un primer dato a tener en cuenta es que cuando se habla de
“arte contemporáneo”, no debe entenderse el término en correspondencia con cuestiones formales, o no especial o exclusivamente formales. Con él se hace referencia al arte resultante de circunstancias histórico-culturales, sociales, etc., entre las que existen paralelismos o igualdades y que puede abarcar factores y motivaciones artísticas muy diversos:
- es el que no se hace por encargo y vive la situación competitiva del mercado, y/ o
- es el que surge de la necesidad interior, y/ o
- es el que se convierte en agente consciente de experimentación y/o
- escándalo, y/ o
- es el producto hecho por la voluntad del artista de crear algo, y/ o
- es el producto hecho por la voluntad del artista de crear anti-arte o no-arte, y/ o
- ...
Por lo tanto, lo que se denomina
arte contemporáneo es una realidad compleja y ambigua que pretende encerrarse en un término que forzosamente tiene que resultar ambiguo. No podemos, por ello, contentarnos con un análisis formal o estructural de las obras del que extraer siempre consecuencias lógicas, sino ponderar las muchas –y a veces contradictorias motivaciones de esta época.
Es preciso también tener presente que muchas de las ideas y opiniones, pero también prejuicios, desde los que juzgamos el arte actualmente se arrastran desde la Ilustración, parten de las discusiones y conceptos optativos del siglo XVIII, rebajados en su contenido y adulterados. Así, por ejemplo:
1) de la utopía de que la igualdad social se conseguiría en el arte, de dedujo que toda persona es igual ante el arte y, en conclusión, que todo arte tiene que ser comprensible, estableciéndose el paralelismo entre arte ilustrativo / arte instructivo.
2) De la idea de que el arte debía asimilarse a las ciencias para cumplir una misión instructiva, se dedujo que todo arte tenía que ser lógico y comprensible, basándose en principios, procedimientos o fórmulas reconocibles y verificables.
3) De la idea de Schulzer y Schiller de la “educación estética del hombre”, es decir, servirse del arte para educar en la belleza y mejorar la sociedad, se dedujo que la belleza ha de responder a criterios fijos e inmutables, objetivos.
4) De la idea de que el arte es para todos y del planteamiento de Herder de que probablemente el arte sería el lenguaje originario del hombre, en el siglo XIX se llegó a considerar que el arte es un lenguaje que toda persona debe entender sin esfuerzo. Y cuando no ocurre el culpable sería el artista que se ha separado de lo conocido. Criterios que se continúan sosteniendo abierta o solapadamente todavía.
El problema surge cuando estos planteamientos se enfrentan a otra de las grandes ideas ilustradas: la de la defensa de la libertad individual, que, por supuesto, también se traducirá, algo más tarde –sobre todo a partir del Romanticismo– en la reivindicación de la libertad creadora. Así, nos encontramos con que, justo cuando se va extendiendo la idea de que el arte y la cultura, tienen que ser de acceso colectivo, cuando se inicia su discusión pública, cuando se entiende que el arte es discutible y digno de discusión, los artistas empiezan por su parte a trabajar en líneas personales, que van desde la más pura expresión subjetiva a la investigación objetiva, apartándose de las directrices de las instituciones que pretenden supervisar y controlar la creación artística y de las más comunes expectativas de los espectadores burgueses, que –dicho sea de paso– eran los principales destinatarios de las obras.
A lo largo de estos casi dos siglos el conflicto ha ido acrecentándose sobre todo porque la mayoría de los artistas se han apartado de un concepto de arte estético, es decir, de una idea de producción de obras para la delectación estilística, confiriéndose a la creatividad artística otras misiones como, por ej. :
- la de ser una expresión vital, por tanto, original y profunda
- la de ser un modo de descubrimiento científico, de aproximación científica a la verdad,
- la de ser un modo claro y sobrio de expresar concepciones filosóficas,
- la de ser un revulsivo, una vanguardia, que interpele y cuestione
- ...
Esta pluralidad de opciones ha determinado que la función y los cometidos de la obra de arte no sean seguros y tampoco se la pueda juzgar desde criterios funcionales, sino desde los muy fluctuantes y variados criterios estéticos. La obra de encargo estaba justificada, la que surge libre propende en su búsqueda de justificación
Esto sitúa al espectador, con cuya complicidad se cuenta y cuya complicidad se demanda desde el Romanticismo, en una encrucijada porque requiere, o bien hacer un esfuerzo por informarse o bien adoptar una actitud de tolerancia y moderación, comprendiendo que la ausencia de normas estéticas o directrices fijas pueden permitir una mayor riqueza y profundidad de los mensajes artísticos. Pero, por lo general, ha sucedido lo contrario: cada uno nos aferramos a nuestros criterios y seguimos empleando, para la explicación del arte contemporáneo, criterios de valoración útiles y válidos para el arte de otras épocas pero estériles y frustrantes para entender el arte actual.
El arte actual es reflejo de la sociedad, no porque el artista y su obra sean un “espejo” sino porque se ven influidos por la estructura espiritual de su época y están condicionados por los valores que la sociedad impulsa y mantiene en todos sus ámbitos. En consecuencia, la variabilidad, la innovación, la renovación, la originalidad, pero también, el consumo y el comercio proyectan su influencia sobre la actividad artística y sus resultados. Sólo desde estas coordenadas puede entenderse la rápida sucesión de “ismos” a partir de mediados del XIX hasta ahora, su contraposición y su simultaneidad.
ALGUNAS CUESTIONES A MODO DE RESUMEN
El arte es un concepto de compromiso que en cada época presenta contornos distintos. No hay un denominador común que se desprenda del análisis de las obras artísticas sino que, en gran medida, depende de la receptividad con que el espectador o espectadores las acogen.
El arte es lo que queremos admitir como arte, para ello muchas veces desproveemos a los objetos de su significado, los sacamos de su contexto, y sólo valoramos cuestiones formales, como ocurre por ejemplo con el objeto de culto que sobrevive al culto mismo y se convierte en forma artística.
El arte no tiene fundamentos permanentes, no hay un concepto invariable y permanente de la obra de arte. El creer lo contrario es lo que ha originado la inseguridad y confusión dominantes a la hora de enjuiciar la obra de arte.
El concepto de arte ha sido siempre un suceso mudable cultural y temporalmente, relacionado y relacionable con cada sociedad y que debe analizarse siempre dentro del proceso de evolución de la sociedad.
Los valores estéticos –concepto empleado casi siempre de forma confusa– tampoco son permanentes, sobre todo desde que Kant afirmó que dependen de la sensibilidad individual y que no hay normativa estética capaz de determinar, de forma estable y universalmente válida, lo que es bello. Cada valoración depende de la sintonía de la obra con el espectador quien, a su vez, enjuicia “desde su época”.
Por otra parte, hemos creído siempre que el arte tiende siempre a un progreso lineal, ascendente, y que debe contribuir a la tarea civilizadora. Desde este planteamiento, se le amputa o se le niega todo lo que tiene –o puede tener- de irracional, instintivo e imaginativo.
A la hora de aproximarse al arte contemporáneo es preciso realizar el esfuerzo de tratar de olvidar las categorías que se emplean para juzgar el arte de otras épocas, igual que resulta poco útil valorar el arte medieval desde los supuestos del clasicismo Renacentista o del arte griego. Hay que olvidar sobre todo la idea de arte como “espejo” de la realidad.
En el arte contemporáneo la interpretación del contenido –como afirmaba Susan Sontag– es un procedimiento erróneo, o cuando menos, no siempre válido, ya que por ella se llega a destruir el efecto sensual inmediato. Se debe tratar de explicar los procedimientos y objetivos, pero no buscar una lectura de contenidos que muchas veces no están presentes. Esta actitud es indispensable sobre todo para posicionarse, contemplar o valorar las obras de algunos movimientos como la Nueva Abstracción o el Minimal. Esta es la causa de que desaparezca el título o sea irrelevante: no se pretende determinar la atención del espectador con su posible mensaje. También es una de las causas que determinan la inexistencia de marcos en las pinturas o de pedestales en las esculturas: se trata de no delimitar el espacio pictórico o escultórico.
Es cierto que en el arte contemporáneo quizá sea necesario revisar nuestros conceptos generales de pintura y escultura pues –como afirma Rosalind Krauss– cada vez resulta más difícil reconocer como esculturas algunas piezas minimalistas, o como artes plásticas las “perfomances”, el “Body Art”, el “Land Art”, etc.
[Apuntes de Andrea Valdanzo]
CONCEPTO DE ARTE:
El arte necesita la valoración del receptor, es lo que nosotros seleccionamos, este depende de la sociedad en que se encuentra.
Se valora como estético a la ciencia que estudia el conocimiento a través de los sentidos, esta forma de conocimiento es la lógica.
Es posible conocer a través de los sentidos;
conocimiento empírico.
El empirismo inglés dice que lo que da seguridad es solo lo que percibimos por la experiencia y es un conocimiento fiable.
Hay dos tipos de ARTE:
- Arte experimental
- Arte intelectual; reflexión intelectual
Siempre hemos creído que en el arte hay una evolución, un progreso lineal pero en realidad no es así ya que los estilos van cambiando y pueden ser mejores o peores que los anteriores.
ARTE CONTEMPORANEO es todo aquel que sea plural, no hay un solo criterio. Este arte se hace por encargo o por voluntad propia, surge de una necesidad interior y tiene cierto aire de crítica, escándalo… Es un arte muy complejo.
En museos y galerías las obras cambian su sentido o funcionalidad y tiene distintas influencias, como el urinario de DUCHAMP, normalmente tiene una función pero cuando se expone cambia su sentido.
El arte contemporaneo es un tipo de arte inteligible, que no se puede comprender.
El arte siempre ha tenido una función adoctrinadora.
A finales del s. XVIII y principio del XIX aparece la libertad del artista.
El arte contemporaneo es un arte público ya que puede llegar a cualquiera y satisface necesidades diferentes, este tipo de arte necesita un comentario.
Las motivaciones para hacer arte son varias:
- Ser expresión vital, “original” y práctica
- Ser modo científico de aproximación a la verdad
- Expresa misiones filosóficas, políticas…
- Tiene una función desestabilizadora.
FORMAS DE VALORACIÓN EN EL ARTE:
- Valor de uso y valor de cambio; este tiene un sentido mágico o religioso.
- Valor cultural o exhibitivo; comienza en el s.XV, tiene un valor desinteresado y hay un gran deseo de poseer obras de arte.
Las clases altas suelen comprar numerosas obras de arte, aquí aparecerá la figura del mecenas.
En el arte contemporaneo se sigue teniendo función de valor estético social, el arte es un ampliador o configurador de la sensibilidad, puede transformar estéticamente la sociedad.
Otra función es el cambio económico, ya que tienen un gran valor y son importantes en nuestra sociedad; en campañas, museos, galerías…
El arte ha dirigido una evolución en el concepto de la sociedad contemporanea.
En la sociedad en la que estamos no es lo mismo ser artista que realizar otra actividad. Los artistas están agrupados dentro de los artesanos y en el renacimiento los artistas intentaban destacar y que el arte fuera algo intelectual y no solo algo artesanal.
El reconocimiento de arte como una actividad plena se empieza a reconocer en el renacimiento, a partir del s.XIX se reconocen las obras como algo individual y cambia el concepto de artista y artesano; el arte obtendrá otro papel más importante.
También aparece la originalidad, se piden cosas diferentes y únicas, algo diferente a la artesanía. El valor de la originalidad va a ser fundamental para el valor del arte.
Concepto de autenticidad significa que deber ser conocido por la sociedad.
El mercado impone sus normas en el arte y se mete en la dinámica del comercio. En el mercado es necesaria la NOVEDAD, se pide a los artistas que creen algo original y novedoso.
Se les pide:
- Innovación constante
- Adaptación al gusto dominante
El arte pertenece al mercado.
Aparecerá un elemento desconocido hasta ahora, LA GALERÍA; es un producto típico de una sociedad en la que el artista es libre pero conociendo al mercado.
El arte es un valor de cambios.
GALERÍAS: minoritarias, es capad de convertir un valor artístico a uno económico.
