[Historia del arte] Sobre el arte...

VALOR DE USO/CAMBIO: Ha tenido un sentido mágico o religioso. Hasta fin de la edad media. (No quiere decir que todo el arte de esas épocas tenga ese valor, pero sí es la mayoría).

VALOR CULTUAL/EXHIBITIVO:
Se produce más intensamente hasta fines del S.XV (humanismo renacentista)

Sigue teniendo valor cultual y se le añade el valor contemplativo, desinteresado, de disfrute y con el desarrollo de la burguesía se acrecenta el deseo de posesión, hacer visible el valor de un grupo social.

Genera la intensificación del mercado del arte. Esto ya ocurría en la Roma antigua con las obras griegas, pero a partir del REN hay una intensificación. Cambio radical. La obra es un medio de exhibición y ostentación de poder primero por las monarquías, luego los aristócratas y a medida que los burgueses quieren adquirir mayor reconocimiento social, irán acumulando arte. Surge la figura del mecenas (financia, compra, promueve obras de arte, que puede ser cultural o personal pero siempre buscando ese reconocimiento que no tiene).

En la época del capitalismo burgués (finales del sXVIII) se intensifica. El arte cumple funciones muy nuevas. Seguimos teniendo obras de valor estético social, pueden ser reflejo, análisis, expansión de la realidad y se entiende que el artista enseña una nueva forma de ver el mundo o lo que hay en el mundo.

También se va a entender que el arte puede contribuir para ser un generador de la sensibilidad.

Se cree que puede transformar estéticamente a la sociedad, habituar a que se aprecien ideas, formas novedosas.

Existe una función de cambio-signo (además de la estética social). Cuando la obra de arte cumple una función ostentosa, se convierte en distintivo social, de discriminación social (la cultura discrimina). También de cambio económico. En el mundo contemporáneo, el arte cumple una función eco en la sociedad con museos, fundaciones, ferias, colecciones, trabajos, campañas, etc. Función primordial (ej. Bilbao) Ya existía antes, pero ahora es predominante. El arte sufre transformación en el concepto de la sociedad contemporánea.

Desde el REN, pero sobretodo en el capitalismo burgués, la sociedad ha otorgado al artista con una aureola mágica y lo distingue de otros productores dentro de la sociedad. No es lo mismo ser artista que ejercer otras actividades. Esa actividad da un poder especial a los autores.

Hasta el REN es poco más que un artesano. En la antigüedad por mucho nombre que tuviesen, el concepto que tiene la sociedad es de artesanías, incluso a los pintores los tiene como trabajadores manuales sin reconocimiento ideológico ni intelectual.

En el REN los artistas reivindican su lugar, conseguir que su trabajo se distinga, se reconozca esa actividad intelectual. No se logra en el REN del todo, hasta el S.XIX no se termina de conseguir (Leonardo, dice que es cosa mental. Discusión entre pintura y escultura, cual era más intelectual porque una se puede pensar, escuchar música, etc. y la escultura es sucia y ruidosa. Leonardo VS Miguel Ángel). Querían el nivel de la poesía o de la música. También es económico, aumenta el sueldo y la posición social, que determina la vida de una persona.

Los procesos de cambio del S.XX se generan a finales del S.XVII y durante todo el S.XIX. Aunque se plantea, la sociedad no lo acepta. Entonces es manual, pero también intelectual. Entonces se distingue perfectamente el concepto entre arte y artesanía. A partir del reconocimiento artístico se pide el requisito, el valor de la ORIGINALIDAD. Obra personal e intelectual, tiene que ser diferente y única, distinta del trabajo del artesano, que hace en serie. En el REN no tienen problema en repetir los encargos si han gustado, pero ahora sí. Ese valor es fundamental para el mercado del arte, así como su autenticidad, que significa no solo que sea de alguien, sino que ese alguien esté reconocido socialmente. Nuestra sociedad valora de forma diferente la expresión artística del grabado/fotografía que la pintura/escultura, porque unas son reproducibles y las otras no. Tiene mucho más valor la obra única.

El mercado va imponer sus reglas en el arte, al igual que la autenticidad, va a meter al arte en la dinámica del consumo: Las necesidades del mercado se satisfacen pronto, las etapas se cumplen deprisa, se necesita la novedad. Dinámica nueva, el requisito para los artistas de que produzcan algo original, único y cada vez más novedoso. Si quieres meterte en el mercado tienes que innovar constantemente o la adaptación al gusto dominante. Cambio de funcionalidad y funcionamiento del arte contemporáneo.

Dentro de esto cumple un papel esencial la incursión de la GALERÍA (tienda de arte). Es un producto del mercado. Pero también es producto de la libertad artística. Surge de la mezcla de los dos. A partir del momento en el que los artistas asumen el criterio de libertad como un requisito para hacer obras, el producto será totalmente diferente y no tiene la facultad de ser aceptado inmediatamente. La galería es un fenómeno típico de una sociedad en la que el arte cumple una función mercantil con un modelo de artista libre. Empresa de gran riesgo pero de alta rentabilidad. Empresa destinada a la minoría.

Cuando el arte se convierte en medio de ostentación, tiene que ser minoritario. La obra debe tener un valor especial, y la galería tiene un mercado minoritario. Se ha puesto de moda la asistencia a los museos pero al entrar a las galerías hay dos, tres personas. Incluso saliendo de los grandes museos muy publicitados, están vacíos también. La galería es además la que tiene la facultad de convertir un valor artístico en un valor económico. La exposición en determinados ámbitos se sacraliza. El mero hecho de que un cuadro esté en un determinado sitio provoca un valor diferente y un juicio diferente. Está claro que tiene que haber unos filtros, y a esa persona le damos el criterio sacralizador. Pero ha de ser el espectador el que le dé valor.

También, junto con la galería, surge el CRÍTICO DE ARTE. Hace años eran capaces de convertir en bueno y sacramental cualquier obra mediante explicaciones y peleas con otros. Incluso hay propulsores de un movimiento artístico (Povera). Hoy en día tiene una función mucho más ligera porque hemos sustituido la idea de que alguien nos explique, por unas ideas tan vagas, sin criterios explicativos. Mucho más liviano e importante su papel.



RECORRIDO DESDE EL S.XVIII HASTA EL IMPRESIONISMO:

El origen de los cambios del mundo moderno parten de la Ilustración, que adjudica al arte un papel autónomo y su capacidad como medio de investigación y transmisión de conocimiento. Es la primera vez. Se le adjudica al arte un papel paralelo al de las ciencias, cumple funciones parecidas. Es importante porque en esta época se concede un papel fundamental a la educación, visión optimista de la sociedad, cree que el ser humano puede ser tanto más feliz en la medida en la que tenga mayor conocimiento, entiende que el conocimiento libera a las personas de los miedos, de las ataduras de las costumbres, de los convencionalismos, del peso de la tradición: serviría para hacer a las personas mejores (cree que las personas pueden ser mejores) a través del conocimiento hasta la gran meta de la Ilustración, que es la felicidad. Se afirma el derecho del ser humano a la felicidad. No estamos aquí para pasarlo como se pueda y a sufrir. Lo novedoso es que la felicidad no se construye con la posesión de cosas, sino de conocimiento, mayor capacidad de análisis, encontrar explicación a muchas cosas y por qué esa liberación nos permite ser mejores, y si somos mejores, somos más felices.

En la Ilustración se le confiere al arte una capacidad educativa superior a la de otros medios, ya que el arte dicen, puede ser entendido como lenguaje por cualquier persona sin un conocimiento idiomático previo. Para que el arte pueda cumplir su función educadora tiene que ser entendido, llegar al público, tiene que tener un lenguaje conocido y reconocible que sea más o menos constante. De esta forma se va a producir la socialización del placer estético.

Surge un criterio ligado a esto: La misión del arte es construir la belleza, pero para que sea reconocible tiene que seguir unas normas, unos principios y ser constante, como la matemática. Para establecer esa constancia surgen las ACADEMIAS à centro de enseñanza y organismo que engloba a quien practica esta disciplina y les reconoce.

En el s.XVIII la academia tiene aspectos positivos:

• Libera a los artistas del cerco gremial (el arte como gremio hasta finales del s.XVIII. No se puede ser artista, está pautado por el gremio, seguir un camino y si procedes de una familia del gremio más enchufe). Decretos en toda Europa en la que se reconoce el derecho de toda persona a ser artista.

• Se liberaliza la profesión. Puede tener elementos a enseñar (dibujo, composición, ...) y el artista pasa de ser autoformado a tener una educación. (Solo aprendían dibujo y modelado, el color se aprendía con particulares). Pero negativamente controla el arte, corta las posibilidades de innovación. Determina qué cumple los requisitos de belleza y qué no. Lo que posibilita ejercer la profesión, al mismo tiempo va a coartar a los artistas y a su posibilidad de expresión. Va a ser un organismo dominante en el panorama público del arte hasta la segunda mitad del S.XIX: los controles oficiales pasan por su control, los premios públicos, etc. es decir, el sistema del arte dentro de la sociedad está regido por ella. Y sobretodo toda innovación a partir de su fin será ANTIACADÉMICA y luego absorbida por la academia.

Organismo conservador, ligado a los gustos de la aristocracia y de la alta burguesía.

Los movimientos artísticos a partir del S.XVIII se caracterizan por ser simultáneos, cada vez más, no un movimiento dominante que extiende su lenguaje 100 años. Los grandes cambios a partir del Romanticismo (ROM). ¿Por qué? La mentalidad ROM surge a mediados del S.XVIII. Va a ser la otra cara de la moneda. Cambios de tipo ideológico, sociológico y económico:

• Ideológicos: La ilustración es muy optimista, fe desmedida en el conocimiento y la mejora del ser humano (Rousseau> el contacto con la sociedad le hace mal). Pero cuando pasan unos años, hay un cierto desencanto porque el desarrollo de conocimiento no ha producido los cambios necesarios, la sociedad no es ni más feliz ni más justa. Y confluyen dos visiones coetáneas: la de quienes creen en la razón va a transformar el mundo y quienes creen que no. El sentimiento, las tradiciones, siempre están ahí y determinan la capacidad de felicidad del hombre. Estas ideas también son ilustradas, porque la Ilustración es un movimiento plural que acoge todo tipo de ideologías y de ideas, recogidas en la Enciclopedia.

• Sociológico/económico: La RI (Revolución industrial) introduce cambios en el sistema de vivir: a la forma de trabajar, a la condición del trabajador y al lugar de residencia. Cambio de la manufactura (singular) a la producción en serie. En la primera el productor controla el proceso del principio al fin (artesano). En la producción industrial uno repite un movimiento mecánicamente, dentro de una cadena (fordismo). No se controla el proceso y se considera alienante. El trabajador pasa de alguien que vive en el mismo lugar de residencia, en un espacio doméstico, al obrero, que tiene que salir de su espacio para ir a una fábrica. Cambian su residencia. Las ciudades son estables hasta la RI, las fábricas han de ser ubicadas en lugares donde puedan tener agua cercana y además facilidades de comunicación. El trabajador tiene que ir de donde viva hacia allí. Movimiento migratorio del campo a las ciudades industriales (Habitantes: 15 mil 1830 - 150 mil 1870 en Bilbao). Cambios en la configuración geográfica y urbana. Primeras reivindicaciones, movimientos obreros. Caldo de cultivo sobre el cual reflexiona el arte. El desarrollo tecnológico tiene también consecuencias para el arte. Mecanismos que van a producir consecuencias en el campo artístico: Ferrocarril, fotografía (ambos casi a la vez) y la luz eléctrica (posterior). Luego en el s.XX el cine y el avión.