Crisis impresionista a los 20 años del movimiento (finales de los 80s) crisis personales, se preocupaban por vender, acusaban a Monet y Renoir y acusaban a Degas de no ser impresionista. Relaciones humanas dificiles que son factor de disolución. Era normal que se desgastase y en 1886 la práctica propiamente impresionista llegaba a su fin. Monet, sus obras tardías se ve que el rigor de su pincelada menuda (años 90's) deja de serlo y sol diluye las formas. Renoir mujeres desnudas que llevan a un cierto clasicismo y Degas que nunca se consagra a la plasmación del aire libre y nunca lo hará. Encuentran su propio lenguaje impresionista.
El impresionismo llega a su final. La lógica visual dice que las obras de Monet de los años 1920 y 1915 NO SON IMPRESIONISTAS.
En la última exposición (1886) presentan Seurat y Signac que son introducidos por Pissarro, que se acerca a ellos y trabaja con su misma línea.
El término neoimpresionismo fue acuñado por un crítico, Felix Feneón, que en un artículo de 1887 utiliza el término para denominarlos. No estuvieron muy deacuerdo con el término, hubieran preferido que los denominaran "cromoluminismo" pero no lo rechazaron porque consideron que con esa palabra rendían homenaje a los esfuerzos de sus predecesores y para destacar que aunque los procedimientos no fueran los mismos los fines eran los mismos: la luz y el color. En este sentido debe entenderse el término, ya que la técnica empleada es profundamente diferente de la de los impresionistas, hasta el punto que mediante su técnica es instintiva e instantánea la de los neo es deliberada y constante.
Los cuadros tienen 28 bocetos, estudios preparatorios, alejado de la visión inmediata.
Los neo tratan los mismos temas que tratan los impresionistas: El ocio de los personajes de la vida moderna y el paisaje, o ambos mezclados, pero trataron de superar el impresionismo dotando a su práctica artística de unos fundamentos teóricos. Los temas de ellos tres tienen como principio absoluto de su pintura el de la mezcla óptica, desde el punto de vista de la técnica. Su pintura se tiene que basar en la aplicación de pequeñas pinceladas (en su caso puntos o lo más parecido a un punto) de colores puros, o lo más puros posibles ("No utilices más que los tres colores o como mucho los derivados de ellos" Pissarro a Cezanne). A una determinada distancia se funden en la retina y crean esa mezcla óptica.
También se basan en el estudio de los personajes Chevreul, Rood, Sutter. Esto demuestra que querían aplicar el color de una manera científica. Sus trabajos desarrollan la ley de los complementarios, que afirma que dos colores complementarios se realzan mutuamente si se aplican yuxtapuestos, con pinceladas independientes como en mosaico, pero si lo aplicas en la paleta se oscurecen hacia un gris oscuro.
SEURAT (GEORGES) 1859 - 1891
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Es de vida corta, 31 años, no hizo muchas obras pero si muy significativas y como rasgo diferenciador de los neoimpresionistas, son cuadros de gran tamaño.
Baño en Asniéres (1883) es una obra inicial, no definido el estilo aún, tiene 2x3 metros.
Autor acomodado económicamente, está muy interesado por la ciencia y que a partir de los 17 años había leído obras sobre lo que llamamos ahora Teoría del arte, de Charles Blanch ("La gramática de las artes del dibujo" el color está regido por leyes inmutables, el dominio del color se puede enseñar como la matemática) también conoce el contraste simultáneo de Chevreul, lee a Rood y a partir de sus obras elabora un círculo cromático que le sirve para determinar los colores complementarios.
No solo estudia color, lee a Umberto de Superville (1827) trabaja sobre el significado de las líneas, las líneas del dibujo tiene un significado psicológico según sea el trazo. Esta obra interesa mucho a Seurat. Es una persona preocupada por dotar a la práctica pictórica de una base científica, de unos estudios previos que sustituyan la instantáneidad, lo emocional, por un rigor científico. Afán de dotar al arte de una base científica sólida. No nos extraña, ya que la ciencia tiene mucha importancia en toda Europa a partir del s.XVIII.
Baño en Asniéres la presenta en el salón de los impresionistas. Es consecuencia de la impresión que le causa la cuarta exposición del año 79. Le choca tanto que decide abandonar la escuela de bellas artes (enseñanza reglamentada) y fundar la sociedad de artistas independientes. Esta obra fue rechazada en el Salón oficial.
La técnica no es puramente puntillista pero hay diferencias con el impresionismo: es más sistemática y ordenada que le sirve para definir los límites de los volúmenes más que los impresionistas. Se tiene en cuenta la luz pero no elimina ni diluye los contornos. Hay todavía zonas en las que el color se aplica de forma más uniforme, pinceladas amplias y zonas más próximas al impresionismo. Enorme sensación de estaticidad por las telas, concepto clásico de permanencia. Hace 15 cuadros preparatorios de menor formato y 10 dibujos. Es una obra fruto de la constancia y la disciplina y composición ordenada, ordenando concienzudamente la distribución de los volúmenes en el lienzo, con dos claves diagonales y dando una gran sensación de orden, repartidos rítmicamente a lo largo del lienzo, no hay confusión. Pero lo más importante es la sensación de quietud, no hay emoborronamiento, ni disolución formal. Buscan lo permanente, lo estable, lo sólido, lo científico, no las emociones. Son estudios de luz. Es difícil que emocione. Seurat la retoca un poco algunas zonas años después, donde hizo pinceladas más redondeadas y sistemáticas.
No hace formas complejas, volúmenes sencillos. Plantea siempre una visión como si el espectador mirara desde ahí.
Tenía gran admiración por Delacroix que se preocupa mucho por el color. Por eso tiene una paleta con colores terrosos o un poco más sucios y luego virará a colores puros.
Una tarde de domingo en la Grande Jatte (1883):
Muy grandes dimensiones, 4 metros. Una de las más conocidas, con 34 cuadros preparatorios y 29 dibujos. Aplica de una manera escrupulosa el método puntillista. Composición guarda elementos comunes con la obra anterior porque organiza el espacio pictórico a través de la diagonal del agua, la de la zona iluminada y la de la sombra. Encontramos tres situaciones de luz diferentes, con más de 40 personajes para acomodar en escena. El tema es similar a los impres. el ocio en la rivera del agua. Están pegados al suelo, como si la ley de la gravedad creara una imantación tan grande que no hay apenas movimiento. La tendencia simplificada de las formas ("geometrización" pero sin partir de un estado previo, más bien tiende a ella, dotando a la práctica pictórica de estabilidad y despreciando la sensación de vida. No le interesa captar la sensación vital). [Esta manera de entender la pintura como algo sólido, estable científico se transmite y cala en Cezanne y en los Cubistas.]
Lucha por representar la diferencia de iluminación y de percepción de los volúmenes según la luz. Las sombras que proyectan los objetos tienen ese mismo sentido geométrico. Principios de la teoría del color de Chevreul. Zonas luminosas/soleadas el color luminante son pinceladas anaranjadas y amarilla. En la sombra las dominantes son las violetas y las azules. La acentuación de luces y de sombras es lo que le permite acentuar la sensación de reposo ("el reposo aparece en el tono cuando lo oscuro y lo claro se equilibran" Frase de él).
Casi todas las figuras aparecen de perfil, orientadas de derecha a izquierda aunque hay otras contrarias. Las telas son tan sólidas y geométricas como los troncos de los árboles. Regularidad formal en el tratamiento de las cabezas, forma similiar. Y con esta repetición formal busca quitarle vida, convertir la representación en algo intelectual mucho más que vital.
Rigidez de puntillismo en la pincelada. La ejecución de esta pintura será su banco de pruebas para aclarar la práctica del neoimpresionismo. Obra fundamental con consecuencias para los pintores posteriores.
Faro en Honfleur (1886)
Sistema de composición marcando frente a la línea del horizonte dos diagonales con la línea de playa, las plnatas y el bote, etc. Se observa el rigor en la pincelada. Por qué la pincelada es redonda y no cuadrada? Conocen la fotografía y ven los puntos de grano grueso. Eso les lleva a pensar que en la práctica pictórica con puntos van a conseguir una imagen tan limpia y nítida como la fotografía.
Las modelos (1883)
Autoreferencia en la pared del fondo con el cuadro de la Grande Jatte, creando una diagonal que ocupa toda la pared. La sensación de profundidad es la que sugiere la intersección de los dos planos de la pared, porque las figuras parecen no poseer espacio, no quiere dar vida, y eso aplasta a las figuras contra la pared. [Ingres, dibujante prodigioso y rigor formal. A Seurat, a Cezanne, a Picasso y al Dadá le interesa Ingres porque le importa sobretodo la forma para el cuadro, no para la realidad. Esa búsqueda de rigor formal les interesa a todos) aquí hay una referencia clara a Ingres, por el torso de una mujer desnuda que recuerda a un cilindro, tendencia a geometrizar las formas. Ninguna da sensación de vida. No es sensual.
La joven maquillándose (1889-90)
Definición clara del volúmen. Da una imagen real, figurativa, pero no realista. Reproduce algo de la realidad pero no existen brazos tan geometrizados, ni una línea contínua como si la hubiese trazado Ingres y de la que el dibujo no puede escapar.
Le Cahut (1889-90)
Escena de circo, teatro, diversiones, vida nocturna. Se hacen más frecuentes cuando se avanzan en los sistemas de luz artificial. Antes no existía. El encanta el juego de la vertical y la base del cuadro que rompe con una diagonal, pero que crea muy poca sensación de vida. Lo deja prácticamente inacabado y que se expone cuando ya está muerto. Feneón dice que está inacabado, porque algunas zonas del cuadro no están los contornos tan bien delimitados.
El circo
Uso de las líneas curvas. Él dice en vida: "Línea es la dirección en la direccion con la horizontal, todas estas armonias se clasifican en el reposo, en el jubilo y en la ..." Empleo sistemático de todos los recursos para crear el equilibrio, a través de la línea y el color. [Júvilo=luz clara, color cálido y movimiento sobre la horizontal]
No es yo voy al circo, saco una foto y reproduzco, sino que a través de experiencias visuales crea sus propias normas y leyes.
Usa el recurso de situar un elemento en primer plano para dar sensación de profundidad.
Se usa este recurso mucho en el Barroco, de espaldas al espectador o cortado. Este recurso sirve para introducir al espectador en el cuadro. Teoría de la Gestalt aunque no lo supieran: lo que vemos genera en nosotros unas consecuencias, no nos quedamos con la figura partida, la completamos mentalmente, somos conscientes de que continúa y esa continuación del personaje, y el espacio que ocupa es nuestro espacio, el espacio de fuera del cuadro es el espacio del espectador, siempre que se crea realidad que continúa fuera, se proyecta ese espacio a nuestra realidad, favoreciendo una implicación psicológica. Es un contrasentido el uso de ello en Seurat, porque implicar al espectador tiene que ver con sus emociones, cosa que él no busca, no quiere el pálpito de vida. Igual, consciente de que la luz y el color han adquirido tanta importancia y la profundidad se ha perdido, intenta retomarla con esta figura.
La barraca de Feria
Ejercicio de captación de luces complejo.
Cortejo de personajes cortados en primer plano.
PAUL SIGNAC (1863 - 1935)
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Personaje más abierto y alegre que Seurat.
El Comedor
Práctica muy parecida a Seurat. Apariencia de realidad, pero no usa las leyes de la perspectiva convencional, la mesa está abatida para que se vean nítidamente los objetos.
Por lo tanto ya no es el "cuadro ventana" que presenta la realidad.
Pintura en la que busca también el rigor geométrico y de falta de realidad.
Puerto de Saint-Tropez (1889)
Vibración de las pinceladas y carácter sistemático de mosaico.
En su pintura destaca mucho los paisajes marinos, playa y le gustan los barcos de vela. Práctica sistemática como Seurat, cuadros preparatorios y bocetos en los que aplica de forma sistemática el color.
Los cuadros finales de Pisarro se mueven en la misma órbita (buscar en internet).
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Preparar el concepto de expresionismo de aquí a un par de semanas.
Conceptos, no algo muy denso.
GAUGUIN
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Nabis: profetas en hebreo, arte simbólico, le siguen a él.
Va al primitivismo. Primero a la Bretaña, pero como no le parece suficiente se va a la Polinesia. Adopta sus costumbres y encuentra un ambiente más propicio para la creación artística. Lo que le atrae realmente es que en las culturas rurales, sencillas, en el arte popular, como en la Polinesia o en África, el arte no tiene la misma función que ne nuestro contexto occidental europeo sobretood a partir del REN. Allí el arte no pretende la reproducción fidedigna de la realidad, sino que quiere embellecer la realidad y representar las cosas por su sentido simbólico. No se representa como se ve porque no se sepa, ni por falta de habilidad técnica, sino porque no se busca eso. Es el resultado de una voluntad de que la pintura represnete otras cosas.
Recolectores de Mango, Martinica (1887)
Aplicacion del color en zonas amplias todavía no simbólico.
Cuando el cuadro no reproduce la realidad como se ve, lo primero que hacen es cargarse la perspectiva tradicional, que solo tiene sentido como el cuadro se concibe como un espejo de la realidad o como una ventana abierta a la misma. Ahora hay muchos movimientos en los que la perspectiva desparece, es abatida o tiene zonas vistas desde diferentes ángulos, ni cónica ni geométrica.
Primeras flores de Bretaña (1888)
Abandona a su mujer y a sus varios hijos. Práctica cercana al impresionismo, el cuadro que más se acerca, y aún así pinceladas y conceptos de forma muchos más compactos.
Paisaje Bretón (1888)
Búsqueda de que el color resulte el elemento plenamente decorativo. Empleo constante de formas curvas. Las líneas tienen un valor psicológico. La recta se va a haber empleada en todos los movimientos de carácter científico (Seurat figuras puntiagudas) porque la recta es una construcción mental, propia de la observación cientifica que no existe en la naturaleza. Lo que si existe es la curva, que es orgánica. Cuando hay que dar una sensación agradable y decorativa, uno se emplea jamás la recta, sino que tiende a la curva.
Paisaje de la Martinica
Tendencia a emplear de manera orgamental y simbólica el color. Luego lo usaran los expresionistas que parten de él y de Van Gogh, nada que ver con la realidad. Influencia de Emile Bernard (pintor) porque tenía muchos conocimientos de literatura y era muy aficionado al simbolismo literario. Muchos autores creen que es la influencia de Bernard que le cuenta cosas de la literatura simbolista la que anima a Gauguin a hacer una pintura simbólica. Busca hacer una síntesis personal de varias influencias del momento cultural francés. También la influencia de la estampa japonesa y también una influencia interesante que es la afición al primitivismo: Atención a la cultura negra, a la africana, a la Polinésica, con rasgos alternativos a las occ.
(Bernard que le copia a Gauguin la técnica)Bretonas en la pradera (1888)
Va y viene de la martinica a la polinesia.
Emplea el color en zonas bastante amplias. Desaparece la perspectiva y la sustituye por un fondo de color plano, hace lo mismo que los románicos, ir situando los personajes en altura, pero además rebordea las formas de una pincelada negra (CLOISONISME: se copia de las vidrieras medievales, donde las zonas de color se separan por emplomados, también del esmalte medieval que separa los colores mediante un metal que hace que no se fundan. Lo empieza Gauguin y se lo transmite a Bernard. Técnica primitiva que practica Paurt Avent?)
Café nocturno en Arlés (1888)
Desinterés por la propocionalidad y perspectiva tradicional. Escena impresionista pero la técnica no tiene nada que ver. Mesa abatida, el cuadro no es una realidad, la mesa de billar tiene otro ángulo. El cuadro ya no representa la realidad. No se elige el color por su realismo sino por su carácter decorativo en la unidad del cuadro.
Visión después del sermón (1888)
Ven la escena de Jacob luchando con el ángel después del sermón. El cuadro es un tronco con flores (manzanos) (represntaciones arboleas y florales japonesas en una diagonal que no va de izq a derecha sino de derecha a izq, lectura japonesa). No tiene en cuenta la proporcionalidad (vaca) que es muy pequeña y hay un tamaño relativo en todo lo que aparece en el cuadro. Las campesinas son demasiado grandes, no es una representación visual sino simbólica, por tanto las cosas son lo que simbólicamente quiere que sean.
Simplificación, no hay sombra! no se proyecta, no hay un foco de luz. Son grandes zonas de color simplificadas. Todo esto da la influencia del primivismo, de rusticidad en el planteamiento.
Hace una eliminación para siempre de la perspectiva clásica, y también elimina la modulación tonal. Entonces el cloisonismo, las curvas, color, ausencia de perspectiva y de sombras).
Angele Satre o la Bella Angele (1889)
Recuerda a las estampas japonesas y a los papeles pintados. Presencia de una figura religiosa primitiva simplificado pero curvo. Los rostros no tienen obsesión por la realidad, no retrata, simplifica formalmente como luego en su escultura. Color arbitrario.
Bodegón con tres perros (1888)
Perspectiva caballera y carácter novedoso al concebir la perspectiva. Visión fotográfica.
El cristo amarillo (1889)
Muy importante. Cloisonisme. No tiene en cuenta lo que percibe de la natura. Y el amarillo que es luminoso y alegre lo utiliza como una forma de representar el sufrimiento. Pintura dramática, no es alegre ni infantil. Composición de corte fotográfico en primer término y dominio casi exhaustivo de la curva. Potente presencia de árboles rojos y con las colinas violetas y la composición está lateralizada, no situa el cristo ni a las mujeres en el centro de la composición sino que se lo lleva a la izquierda, en vez de a la derecha que solemos hacer los occidentales.
Espacio que no da sensación de agobio pero que coloca la figura de cristo con perspectiva tal que teniendo en cuenta a las figuras coloca al espectador arrodillado.
Autorretrato con Nimbo (1889)
El espíritu de los muertos vela (1892)
Quiere empaparse de naturaleza virgen, ver salvajes. Aunque le aprecian en París, lo abandona y se va en 1891 con 42 años se instala en Tahití. Quiere llevar una existencia sencilla y armoniosa en contacto con la gente del pueblo, que considera no contaminados, con religiosidad más primitiva e inocente. Quiere buscar otra manera de ver la vida, otra inspiración sin otra preocupación más que expresar la mente según el arte primitivo, el único medio correcto para él.
Títulos de los cuadros basados en lenguaje polinesio. El título es decisivo en el simbolismo, el componente literario de éste tiene una importancia decisiva para comprender la pintura, no es un añadido anecdótico, es esencial (Manao tapapan). Trata el sueño y las drogas (constante en la 2º mitad del XIX), porque en los pueblos en los que está es algo que toman para resistir las condiciones climatologicas.
Simplicación de las formas radical, también aumenta el contenido simbólico.
Mujeres en Tahití (1891)
Formas rotundas y simplificadas y resaltando las partes del cuerpo más importante: pecho, amplias caderas (maternidad) y manos. Busca el efecto decorativo, que no le abandona casi nunca, buscado a través del color.
Dos Tahitianas (1899)
Lahan no atúa (1894)
Profusión compositiva de las líneas curvas, presencia de Totems. Sentido del reposo, aparecen disfrutando de la vida, no trabajando.
La Orana María (1891)
Visión de la virgen en la cultura polinésica. División en franjas de color, como pintura románica y primitivista.
Pastoral Tahihitiana (1892)
Figuras curvas, arbol violeta oscuro, elementos florales.
La mujer del mango (1892)
Cerca del mar
El tal el protagonismo del color que si pudiesemos desenfocar nos daríamos cuenta que más allá que otra cosa nos atrae la potencia de color, pero considera el componente literario como muy importante, no se puede desligar, el color no tiene protagonismo por encima del significado.
¿Por qué estás enfadada?
Naturaleza exhuberante, atrayente. No se habían visto casi imágenes. El cambio para un parisino, ciudad oscura y lluviosa, es muy radical.
Dia Delicioso
El componente simbólico.
?De donde venimos? ¿qué somos? ¿a donde vamos?
Funciona como un trípito y que hay que ir leyendo como una obra medieval o gótica porque va narrando. Trata de contarnos algo. 1.70 x 4.50 metros y cuatro y la compo gira en torno a la figura central, eje compositivo que lo divide en dos espacios. El esquema compositivo se basa en grandes triángulos. Ídolo y figuras sentadas en el suelo. La lectura del cuadro ha de hacerse de derecha a izquierda, de la vida cotidiana y normal a el deseo de ascensión y hacia lo religioso. Escribe cartas a sus amigos pintores de París describiendo los cuadros y sus significados literarios.
El caballo azul (1898)
Jinetes en la playa (1898)
VAN GOGH (1853 - 1890)
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Un anciano poniendo arroz seco en el fogón (1881)
Carácter pictorico muy diferente al de Gauguin. Ambos consecuencia del impresionismo pero si Gauguin es simbolista, Van es expresivo. Se puede calificar de expresionista.
Vocación tardía, previamente se dedica a la predicación religiosa, es un factor fundamental en su vida. En un primer momento comparte los primeros años con los sectores mineros y trabajadores en una zona muy pobre de Holanda y llega a la pintura después de decepcionarse sobre las posibilidades de cambiar el mundo y sus condiciones de vida. Cuando ve que nada puede hacer se desespera y abandona ese mundo para dedicarse a la pintura. Hay que entender que no la entiende como algo divertido, ni como algo ornamental, sino como una manera de volcar su visión del mundo.
Las primeras obras no tienen un estilo muy definido, son realistas, incluso un poco románticas en el color, tenebrismo, marrones y ocres.
Campesina pelando patatas (1885)
Vida de los campesinos. Fuerte vocación, hace más de 800 cuadros.
Los comedores de patatas (1885)
Realista y romántica al mismo tiempo, pero no trata de embellecer la realidad. Solo intenta reproducir la forma de vida de la gente con la que convive. No recibe una formación pictórica, se aproxima él a la pintura y al dibujo. El dibujo forma parte de la enseñanza de cualquier persona con estudios en el s.XIX. El experimenta con el impresionismo, divisionismo, el simbolismo, pasa de una a otra sin quedarse con ninguna.
Para él es una obra maestra y su obra holandesa más importante.
La subasta de madera (1883)
Escena propia del entorno, con figuras simplificadas. Empleo libre del color.
Mujeres con sacos de carbón (1882)
Similar a Gauguin, pero no alegre, zona deprimida.
El tejedor en el telar (1884)
Vida sencilla de la gente que le rodea. Simplifica el dibujo.
Mujer en el café Tambourin (1887)
París. Temas más alegres y cercanos al impresionismo. Pero aún así se va a las prostitutas, gente más desfavorecida. Nada de lujo y fantasía.
Interior de café nocturno (1886)
Se va a Arlés vida nocturna pero con colores poco convencionales. Arbitrariedad de la visión, no pretende dar una sensación decorativa, sino la que a él le ha producido.
No es la fijación de lo que viene de fuera hacia adentro. Aquí es lo que veo qué me produce y como lo represento. Vista a través del sentimiento. Ni proporción ni perspectiva. Arbitrario.
Autoretrato (1887)
pincelada gestual, larga. Aplica el color separándolo como el impresionismo. Sensaciones anímicas, sentimentales.
Nocturno estrellado (1892)
No manera fija de hacerse, depende de la parte del cuadro.
Padre Tanguy (1887)
Ya en Arlés. Se les llama padre a la gente mayor, en los ambientes de pueblo. Era el propietario de una tienda de colores, que le fio muchas veces y le ayudó en su pintura y le hace como regalo este cuadro donde recoge la influencia oriental. Es un manifiesto de sus influencias en carácter decorativo. Evidente el deseo de pintura decorativa derivadad de la japonesa (pintura de flores igual importancia que a las personas).
Potencia de pincelada agresiva.
Cipreses y estrellas (1890)
Alucinaciones auditivas y visuales. Crisis mentales. A veces las pinturas reproducen estos estados de ánimo, situaciones de angustia.
Cartero Roulin (1888)
Pega saltos de pincelada, no hay una evolución que se pueda ir viendo lineal, sino que la técnica que emplea del cariño vinculación con el personaje y sobretodo con su estado de ánimo.
La habitación de Arlés (1889)
Elevación del punto de vista. Tratamiento del suelo de una forma, la pared de otra. Inestabilidad visual, descomposición de los planos.
Diferentes versiones, varía la potencia del color.
La iglesia de Auvers (1890)
Arquitectura contorsionada, deformada. No elementos sólidos.
Oposiciones de complementarios. Pinceladas diferentes según las zonas.
La noche estrellada (1889)
Lucha entre lo que ve naturalmente. Los cipreses le preocupan, dice que nadie los pinta como él, para quien son como un obelisco egipcio en lineas y proporiciones.
Puente de Langlois con lavanderas (1888)
Lo hace muchas veces. Cerca de una clínica psiquiátrica.
Vaso de Girasoles (1888)
Tradición japonesa. Emplea mucho el amarillo, para él el color de la luz y de la vida. Sus pinceladas son densas y pastosas, con mucha materia y empaste. No mezcla los colores en la paleta, como salen del tubo.
La llanura La Crau cerca de Arles
La casa Amarilla (1888)
Pastosidad de las pinceladas. Quizás el que más pasta emplea.
La terraza de Café por la noche
Clásico, sobrio. Compo definida.
Casa de campo con dos figuras
Emplea la línea pero sin constancia y sin grandes manchas de color homogeneo.
