- Qué son los colores complementarios: Es importante su empleo porque si se usan adecuadamente se potencia el color. Evita la mortecinidad, que tira a grises y neutraliza el color. Da valor a la superficie pictorica de cara a la percepción por parte del espectador. Son los que están enfrentados en el círculo cromático.
- Por qué los impresionistas dividen los colores: El color sirve para representar la forma y el volúmen. Dividen los colores para que se mezclen en la retina. Para plasmar la luz, que modifica la percepción formal de los objetos en impresionismo. Para demostrar la ley del contraste simultáneo (hoy en día puesta en entredicho por las leyes de la física. Los impresionistas son hijos de su época, los avances científicos son notables y permiten el descubrimiento de muchos factores en otros campos con muchas consecuencias en la vida de las personas. Durante todo el siglo XIX hay un culto a la ciencia y una admiración notable, de tal forma que se suele plantear que los impresionistas se sienten atraidos por esta vertiente científica de la pintura y sus posibilidades y de alguna manera su pintura se aproxima, juega, dentro del campo científico. Son de los primeros modelos, abre paso a la vanguardia al tomar en cuenta a la ciencia en la 2ª mitad del s.XIX. Campo de la física óptica (buscar nombres de teóricos).
- Por qué pintan paisaje: Para plasmar la luz solar. Influencia del paisaje inglés desde los años 20. No les interesa tanto la atmósfera, no como está el día, sino como están los objetos en esa luz. No tanto captar la variabilidad de la naturaleza (pintura inglesa ya lo hace dsd el final del XVIII) sino la variabilidad de la percepción de los objetos según la calidad y la cantidad de luz. La luz en el objeto, no la luz. No pintan lo que se sabe del objeto, sino lo que se ve. La percepción va del objeto al sujeto. Diríamos que es una pintura """"subjetiva"""", pone el acento en la percepción del artista, que busca a través de los procedimientos técnicos transmitir esa igualdad de percepción a otra persona.
- Innovaciones que aporta: Nuevos enfoques. El sistema de composición se entiende según la teoría del Alberti como una ventana, con todo adentro. Ahora se adquiere el encuadre de la fotografía, sin una elección. (Fotografía pictorialista en el s.XIX (Problemas de la fotografía para abrirse a la sociedad, incluso filosófico, en Alemania se cuestiona su legitimidad moral, de sacar mediante un medio mecánico una imagen de la creación, o se piensa en otros lugares que captura el alma. La fotografía tiene que luchar contra su falta de prestigio como herramienta). Muchos pintores se ganan la vida con fotografías, construyendo como si fueran cuadros con perspectivas, efectos de luz, etc. Toda esa fotografía que trata de llevar adelante escenas propias de la pintura se llama fotografía pictorialista.) Siempre encuadran, pero no componen artificialmente.Rompen con los límites de los objetos, no hay una definición formal clara de cada uno de los objetos, se intermezclan. Desaparece la línea. (El dibujo no es una experiencia visual, es algo mental. Ya lo decía Leonardo, que era algo mental. Proceden del armario de la cabeza, no existe en la realidad. Cuando se dibuja una figura humana, eso no existe, tú dibujo no eres tú. No existe una recta, es algo que nos hemos inventado para determinar la unión entre dos puntos a una determinada distancia.) Los impresionista plantean una pintura con valores visuales, tiene que romper con elementos mentales. Tiene en cuenta la incidencia de la luz sobre los objetos, es lo que les interesa transladar. La línea no les interesa. (Polémica en la pintura europea sobre si estaba hecha a base de dibujo o a base de color, para algunos la base de la pintura es cuestión mental y para otros cuestión de percepción. Mondrian dibuja, Ingres dibuja (mirar "la Obalisca" porque tiene una vértebra de más porque no le importa la realidad, le importa la construcción del cuadro). Para los impresionistas la línea desaparece porque la línea no se ve, es la construcción mental y si lo que quieren hacer es dar sensación de como vibra la luz, tienen que buscar un sistema de vibración, vibra más la superficie pictórica con pinceladas cortas que con largas (como una nota larga no vibra y muchas cortas, sí). Pinceladas pequeñas dejando espacio entre pincelada y pincelada, porque de esa manera con la preparación del fondo, vibra la superficie pictórica. Si queremos dar sensación de una luz que vibra en los objetos no se puede pintar con líneas.Ampliar la paleta de un mismo cuadro, hasta 14 o 16 colores diferentes, que son los colores como salen del tubo, sin mezclar en la paleta.(Delacroix "Mujeres en el harem" 1830 seducido por la luz violenta del norte de Africa y por la cultura visual de los pueblos árabes se da cuenta de que hay una sombra complementaria en los objetos. Colores fríos.)La imprimación de base del cuadro tiende a los claros en vez de a los oscuros.Tamaños más pequeños que la de pintura de paisaje realista anterior. Leyenda urbana: Que pintan al aire libre, que ya se hacía antes. La innovación real es que ACABAN los cuadros al aire libre, con mucha más frecuencia y con más constancia. Esta pintura ya existía en el s.XVII con la pintura topográfica, (fruto de la RI. Con fines de tipo industrial para la localización de cada fábrica, a veces con cuadrícula y a veces no porque se hacía frecuentemente con acuarela). La escuela de Fointanebleau dice "La naturaleza vive, y para vivirla hay que estar en ella". La anterior pintura de paisaje es más oscura, con tintes vituminosos, marrones, etc pero también hacen captación de la luz.Aspecto temático: Ausencia de una finalidad. No quieren representar algo que emocione, ni transmitir ideología, el tema es la vida casual de lo que tienen delante, que casualmente son los escenarios de la vida del ocio burguesa. Pero ya desde mediados del s.XIX ya se hace (Manet "Mujer comiendo cerezas por la calle" "Bebedores de Ajenjo") pintando personajes de la vida cotidiana (Courbet mira la vida del campo). Pintan las ciudades, porque a partir de los años 30 se remodelan casi todas las ciudades europeas (planes de ensanche, crecimiento desorbitado), está de moda y la ciudad es un elemento llamativo, son atrayentes para los pintores a partir de esa época.
IMPRESIONISMO
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Es un término muy popular y usado bajo el que se enrierran experiencias renovadoras del último tercio del siglo diecinueve (a partir de 1860) que no siempre obedecen a términos doctrinales o técnicos precisos. Experiencias pictóricas. Se usan para cosas muy distintas. Los pintores que engloban esta tendencia (en la que hubo gente que nunca nos llegó su nombre) pretendían de alguna manera renovar la pintura. Lo que es más evidente es que el denominador común de todos ellos fue el tratamiento que le dieron a la luz sobre la forma, la obsesión por captar la luz y sus consecuencias sobre la forma que fue lo que impresionó al público y a la crítica. La forma no es un valor absoluto para los impresionistas, es relativo, depende de la luz en cantidad y calidad.
["La modernidad y lo moderno. La pintura francesa del s.XIX" Capítulo dedicado al impresionismo. ED AKAL. Obra colectiva]
El grupo impresionista se data de forma imprecisa. Se puede tomar como punto de arranque la primera exposición (1874), pero los más interesantes de la primera etapa son de 1869. Las prácticas de algunos de los pintores impresionistas (la fragmentación del color, dar la sensación de la acción de la luz) son bastante anteriores, finales de la década de los 60. Está formado en principio por Monet, Renoir, Pisarro, etc. (buscar nombres en libros). A veces expone con ellos Degás y a veces Cezanne. Y algunas mujeres como Mery Cassat o Berta Mori... (?) (buscar). Funcionan con gente muy variada. Hasta 250 personas/autores diferentes. El impulso llamado de pintura impresionista pudo partir de un grupo homogéneo pero tuvo mucha más importancia, por eso es relevante. El nombre de los impresionistas no se los dan ellos (casi ningún movimiento hasta este momento lo tiene, casi todos bautizados después y con una carga pellorativa, menos REN y neoclasicismo son de los pocos que sí). Son un grupo de pintores que hacen un tipo dif de pintura de la que se hace en el Salón oficial, en el que no tienen cabida y que deciden formar una cooperativa de pintores, escultores, grabadores, etc. para que como en cualquier otra se protegen unos a otros. Cuando llevan hechas un par de exposiciones (1877) es cuando van a exponer ellos con el nombre de impresionistas. Hasta ese momento no se llaman a sí mismos de ninguna manera. Hubo 8 exposiciones impresionistas como tales: la segunda en el 76, la cuarta en el 78, la quinta en el 80, sexta en el 81, séptima en el 82 y la última en el 86. Se montan al margen del salón oficial, pero no por una actitud contestataria ni porque no quisieran saber nada, sino porque no eran admitidos. Tan pronto como tuvieron reconocimiento en el salón, perdieron interés en las exposiciones impresionistas, no tienen actitud rompedora con el sistema. El único anarquista fue Pissarro. Todos tienen especial admiración por la pintura de Courvet y por Manet sobretodo. Porque Manet está haciendo experiencias ("Mujeres en el almuerzo sobre la hierba") en donde lleva al lienzo valores de captación de la naturaleza al aire libre, pero el NO es un pintor impresionista, aunque exponga con ellos. Casi todos los pintores exponen en de forma irregular, no se organizan de forma constante ni fija. El único que expone en las 8 es Pisarro, que de hecho sus investigaciones desembocarán en el neoimpresionismo o puntillismo.A partir del 86 surgen los síntomas de cansancio. El grupo se divide y aunque podemos hablar de obra impresionista hasta los años 90/95 el desarrollo es personal, no hay una corriente homogénea. Los que más claramente reciben ese nombre por paisaje al aire libre y por tener mayor cuidado con los principios son Monet, Pisarro y Sisley. Renoir, Degas, etc tratan más el cuerpo humano y no es lo mismo.
Local para las exposiciones cedido por el fotógrafo Nadar.Cezanne no es puramente impresionista porque en seguida deriva. Incluir a Morisot. Bazille estuvo en el movimiento al principio pero murió.
Rasgos formales que distinguen su obra: Paleta de tonos claros y contraste directo entre luz y sombra (que no hay un degradado). Gusto por la pintura al aire libre, ante el motivo, mejor que en el taller.Preferencia por el paisaje y la escena urbana.Consideración del color como propiedad relativa de los objetos, sometida a cambios cuando varía la luz que los ilumina, De esta manera las sombras tienen el color del objeto que las proyecta.Uso de colores complementarios.Ténica característica, basada en pequeñas pinceladas separadas a partir de las cuales el ojo, a una cierta distancia, reconstruye las formas.El impresionismo pretende plasmar la apariencia (las aparecen, no son, no noción mental, en las condiciones en las que se me aparece) inmediata de las cosas.No se trata de un grupo homogéneo y estas características no sirven para todos los pinturoes, como más adelante veremos.Su asociación fue concebida como una unión de intereses, más que como una tendencia organizada (sociedad cooperativa) (a diferencia de los Futuristas, no hay un decálogo, no se deciden a ir todos por el mismo sitio).No pintura narrativa. Lo más rompedor es la eliminación de los elementos extrapictóricos (al igual que Manet), que no son propios del lenguaje pictóricos, como la narración, que son propios del lenguaje literario, el contar cosas con un cuadro. Lo propio es PRESENTAR cosas. Va paulatinamente separándose de la narración, no aparecen muchos detalles de cosas, de objetos. Es poco literaria.
Se fijan mucho en los efectos cambiantes. Nos permite apreciar que los pintores impresionistas tienen cierta predilección por representar efectos fugaces atmosféricos, la nieve, el rocío, etc. que anteriormente eran poco frecuentes en la pintura europea. El protagonismo del ser humano es circustancial. En el primer momento del impr. en la primera década hay más escenas campestres pero luego serán más escenas urbanas. Una de los objetivos de la pintura impresionista fue la ruptura con el sistema de representación tradicional que condiciona la aparición de la perspectiva. Como querían hacer la percepción inmediata quieren romper con la perspectiva pero no siempre se da, porque la tienen muy metida. Por eso esa ruptura es bastante corta.
Define volumétricamente la arquitectura pero la difumina en el recurso del agua y en el cielo. Es tardía.
Atención de la captación de la luz artificial en una fiesta popular. Fija más su atención en la representación del ser humano. Captación fotográfica, contraveniendo la normativa de que la pintura "mire" al espectador.
Hace captación fotográfica, pero no es impresionista. Interesante la manera desenfada representar la escena, chica desnuda con dos hombres vestidos, atención dirigida hacia el espectador. Si pudiésemos verla de cerca veríamos que sus pinceladas son largas y arrastradas en las que funde el color, mayor densidad cromática.
Degás 1876 "Plaza de la Concordia"Enfoque instantáneo fotográfico sin fragmentación del color con tanta claridad y fijación por la figura humana.
Factores que determinaron el desarrollo del impresionismo:Captación de la luz que se proyecta sobre el objeto o la figura humana, mediante toques fragmentados de color.Estudios de la naturaleza.
Antecedentes a estos rasgos: (casi todos los pintores que tienen un cierto interés por la renovación de la pintura se han visto abocados a mirar al pasado. Aprenden de la pintura anterior. Y han hecho pruebas, experiencias con técnicas de otros pintores para buscar dificultades.
Constable "Catedral de Salisbury" 1827Es uno de los pintores en los que se fijan. Tiene en cuenta la separación de los colores, que a una determinada distancia vemos una masa cromática del árbol que de cerca no es así. También pinta bahías a diferentes horas y circustancias climáticas, ya existe esa preocupación.
Turner "La erupción del Vesubio" 1817Es una recreación imaginaria. Es una afán por representar la fugacidad. El fuego, la lava, el humo que se genera y el reflejo del cromatismo en la escena global. Usa una pincelada más larga, más gestual.
Escuala de Barbizon o Fontainebleau en 1854. Rousseau "Vista del bosque"El humano no es protagonista pero tiene carga romántica. Color dado uniformemente y la pincelada no es tan suelta aún.
Eugene Boudin "Figuras en la playa de Trouville" 1864Pinturas de pequeño formato de escenarios de ocio de la burguesía. Interés sociológico de representar por primera vez como un lugar de esparcimiento la playa y el mar, hasta la mitad del diecinueve se lo relaciona solo con los marineros o los pescadores, como lugar de profesión. Es un lugar de miedo, ahora cambia.Boudin hace este tipo de escenas con pincelada muy gestual, larga, arrastrada. No se recrea en dar información sobre los personajes, borrosos porque a esa distancia él no percibe más que eso. Varios cuadros de escenas casuales en varios momentos de luz y del día, con el mismo nombre aunque son cuadros diferentes. Masas cromáticas como personas. También se verá en el expresionismo. No mezcla en la paleta, superpone pinceladas en el cuadro que se funde a una distancia en la retina. Los impresionistas recogen de él lo de el reflejo de un mismo escenario. La pintura francesa aprende de la inglesa a su vez.
Boudin 1895 "Venecia, el Gran Canal"Cambia completamente la pincelada, más relamida. Más definida. Aún así sigue siendo pura mancha. SIN ser impresionista.
[Sentido representativo, no presentativo. Buscamos como humanos algo reconocible. Perforar la superficie del cuadro, buscando un fondo conceptual.]
Jongkind (1819 - 1891)"Molino cerca de Delft" 1857Contemporáneo a un montón de pintores impresionistas. Se acerca a la pintura inglesa, con elementos cambiantes. Recurre a la pincelada fragmentaria. "Camino de sirga cerca de Overschie" 1865Preocupación por la luz de la luna. Disolución de la forma, no trabajo previo de dibujo. Aplicación de la pincelada. Tratamiento de plano particular, con pincelada personal."Claro de luna" 1886Contemporáneo a la última expo impresionista."Calle de una villa holandesa"
Monet inición con Pisarro en la Academia Suisse de París.Conciden con Gleyre en el 62 con Bazille, Sisley y Renoir. Se van juntos al bosque.
El café Guerbois fue otro punto de encuentro.
Procenden de la tradición de Courbet, que dice que no puede pintar nada que no vea, y de ahí pasan al yo pinto lo que veo y como lo veo.
INFLUENCIA DE LA FOTOGRAFÍAEncuadres de escenas de la vida cotidiana. Degás 1876. Se sirven de la fotografía como elemento previo para el trabajo. Bazille "Reunión de familia" 1867. Parte de un trabajo fotográfico, buscando las zonas de luz y de sombra, instantánea suelta, no colocados los personajes. " La terraza de Meric" 1867 es una pintura inacabada, captando los efectos de luz y de sombra.Monet "Boulevard de Capucines" 1873 que capta en varios momentos. La fotografía les permite percibir fenómenos hasta ese momento difíciles: Lluvia, nieve, niebla, en donde la pintura ha dejado poca constancia porque es difícil percibir la calidad de la luz en ellas.
EL EJEMPLO DE LOS MAESTROS DEL GRABADO JAPONÉS
UKIYO - E es una pintura de la vida flotante de Japón. Tradicional desde el siglo XVII. Es interesante porque es diferente al panorama europeo. Refleja la vida cotidiana de las diversiones, casas de Geishas, espectáculos, vida sensual y nocturna. Intrascendentes y sin ningún tipo de mensaje. Influyen en europa en la ilustración, atracción por las culturas exóticas en las que se representa otro tipo de vida de otra manera. El panorama europeo se acostumbra a las escenas de Ukiyo-e sin temas literarios que representan la cotidianidad. No desvela el misterio del mundo y lo hace asequible al espectador. Hokusai "Crisantemos" 1800 exponen en Europa, están de moda. Captan los fugaz, lo intrascendente. Capta la mosca y las flores. Para Gauguin y para Van Gong tendrá otra lectura, sistema de lectura de los cuadros de derecha a izquierda normal. Ahora es alternativo. El rótulo de lo que habla está en el mismo cuadro. Le influye a Manet los fondos lisos, y también a Toulousse Lautrec, romper con la idea del cuadro en perspectiva, que rompe con la idea del fondo en profundidad. NO hay mesa ni espacio."Mañana limpia con viento sur" 1800. Sentido decorativo. Variedad del color."Monte Fuji visto a través de las olas" 1805 Se puso de moda entre los coleccionistas en esa época. UTAMARO "El amor contemplativo" 1794 "La hora del perro""La cortesana borracha"Síntesis en las formas.
AVANCE EN LA FABRIACIÓN DE LOS COLORES CON TÉCNICAS INDUSTRIALES:Importancia de la aparición de los tubos de pintura, que permite salir al aire libre. No hay que mezclar el pigmento con el aglutinante que tiene una estabilidad y durabilidad corta. Los tubos permiten encontrar ya una gama cromática amplia envasada.
TEORÍAS EN MATERIA DE COLOR ELABORADAS POR RENOMBRADOS FÍSICOS:Gran atención por su época por las teorías físicas. Avance en el campo del color.Ya teorías de artistas o pintores, ahora físicos. Root, Eho, publican estudios sobre la física del color.
MANET O LA MODERNIDAD (1832 - 1883)"Música en las Tullerías" Precedente más inmediato. Afán por escenas cotidianas, formas de vida. Por su presentación de escenas en las que contraviene el orden habitual de la composición (primer término dos sillas, tronco de un árbol. Emborronamiento, pinta manchas, contraviene el pintar lo que se sabe. Empleo de la mancha. Manet aprende mucho de la pintura española del barroco.Giorgione "Concierto campestre" 1508: Temática en la que se basa el almuerzo en la hierba, la polémica no está justificada, ya se había hecho.Aprenden de Manet, que define los contornos de las formas y pasa del claro al oscuro sin hacer una gradación cromática. Manera muy moderna de definir la forma. "Olimpia" 1863 Juego de los blancos. Trabajar con las distintas tonalidades de los blancos. Escenas influenciadas por Ukiyo-e, cantante de vida ligera. También influencia de Tiziano en "La venus de Urbino". Manet reelabora la pintura anterior y le da una visión actual, aplica el color de manera novedosa. No toma la degradación cromática, formulas las formas a través del color. Leer comentario de Paul Valery (crítico del s.XIX). La crítica de arte a veces se dedica a hacer florituras."El pífano" 1866. Fondo neutro, mucha importancia para los impresionistas. Delimita la forma con recorte de figura sobre el fondo. "Retrato de Emile Zola" 1868. Referencia a la pintura japonesa oriental. "El balcón" 1869 "El ferrocarril" 1873 Se acerca a los impresionistas y se siente atraido por la admiración de los jóvenes por su trabajo y quiere captar con ellos los elementos fugaces como el humo del tren. Colocación del personaje de espaldas al espectador, pero tiene un sentido de la forma mucho más rotundo, nada fugaz."La casa de Rueil" 1882
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